Categoria: colunas

Maratone como uma Garota!: 5 séries para derrubar a rivalidade feminina

Desde muito cedo, independente da sua identidade de gênero, mas especialmente se você se identifica (ou tenha sido identificado em algum momento) como mulher, muito provavelmente você foi socializada/o em um contexto cultural em que a rivalidade feminina é considerada quase uma condição intrínseca a nós mulheres. Essa noção às vezes está tão enraizada que chega a ser difícil reconhecê-la em nossos padrões de comportamento e expectativas. Espera-se e incentiva-se que as mulheres estejam em constante competição: por homens, por um look melhor, para chamar mais atenção.

O fato é que isso nada mais é do que uma lenda que o patriarcado inventou para enfraquecer a união e os laços que a gente pode (e deve!) cultivar sempre umas com as outras. De todo modo, desde que as mídias e produtos culturais, como filmes e séries, se tornaram parte de nossas rotinas, nossos imaginários são também formados a partir da relação que estabelecemos com eles. É por isso que quase sempre levamos muito mais do que apenas entretenimento com nossos personagens, autores e histórias favoritas. Levamos modos de pensar, de agir, de se vestir, mas também nos inspiramos com suas batalhas, seus sonhos, seus amores, em como perseguem objetivos e cultivam amizades. Pensa comigo: quantas vezes você se sentiu motivada/o ou impulsionada/o por alguma história? Aposto que algo veio a sua cabeça agora!

 

Graças ao fortalecimento que pautas feministas vêm tomando nos últimos anos, muitos padrões de opressão têm sido questionados. Algumas séries recentes de muito sucesso, como Sex Education e Good Girl, se encarregaram de desmistificar essa ideia de rivalidade feminina, especialmente entre personagens de diferentes estilos ou universos. Se você foi criança ou adolescente nos anos 2000, você teve o privilégio de poder acompanhar algumas boas histórias que provaram que o patriarcado não bate uma boa amizade. É por isso que na Maratone como uma Garota! de hoje vamos relembrar algumas séries que marcaram nossos corações e nos provaram que rivalidade com a gente não tem vez!

 

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1º Friends

Vamos começar com a mais clássica! Friends foi ao ar entre 1994 – 2004, mas continua sendo uma dos sitcoms mais assistidas até os dias atuais. Como o próprio nome sugere (friends é “amigos”, em português), a amizade é tema central e é impossível não amar o trio de amigas Rachel, Monica e Phoebe. Três mulheres bem diferentes, mas que estão sempre incentivando e torcendo umas para as outras. Monica e Rachel são um exemplo de amizade que se fortaleceu e amadureceu com o tempo. Phoebe tem um espírito amável e sempre presente.

 

 

2º The L Word

Parada quase obrigatória para as lésbicas e bis, essa é uma das séries mais interessantes para o público feminino, especialmente as LGBTQ+, não apenas por trazer no centro as relações entre casais femininos, mas também por discutir com lucidez questões relacionadas a padrões de gênero e sexualidade (ainda que tenha escorregado em retratar a bissexualidade como algo transitório ou incerto). Além de um roteiro fortemente feminista e de ter sido criada e produzida por uma mulher (Ilene Chaiken), The L Word se esforçou em demonstrar como as mulheres podem ser parceiras e confidentes. Existe um laço de apoio e compreensão entre muitas personagens, especialmente no núcleo central, como Tina, Alice, Dana, Kit, Bette e Shane. Uma nova temporada foi confirmada!

 

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3º Sob Nova Direção

Sitcom nacional de grande popularidade entre 2004 – 2007, a história trazia duas amigas sócias que tentavam recuperar um bar falido. Protagonizado por Heloísa Périssé e Ingrid Guimarães, a série mostrava não só a amizade, mas o empreendedorismo de duas mulheres independentes, ainda que em tom de (muita) comédia.

 

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4º Xena – A Princesa Guerreira

Não seria uma coluna minha se não tivesse essa série de marcou o coração de muita gente! Foi ao ar entre 1995-2001, mas continua reprisando no Brasil e em muitos países. Na Grécia antiga, Xena, uma guerreira em busca de redenção por seu passado violento, encontra em sua jornada a jovem Gabriele, que se torna sua melhor amiga e companheira de viagem. As cenas de luta e a coragem delas empoderou muitas garotas. A popularidade da série ao redor do mundo conseguiu reunir um Fandom* fiel e ativo. As protagonistas tinham um laço afetivo muito forte. Uma nova versão estava confirmada para os próximos anos e, conforme os produtores, as duas protagonistas seriam assumidamente homossexual. Mas para a tristeza geral na nação, o projeto foi cancelado!

 

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5º Três Espiãs Demais

Que atire a primeira pedra quem nunca brigou para ser Sam, Alex ou Clover (eu era a Sam!). Um dos desenhos animados mais populares da TV, era protagonizado por três adolescentes distintas que além de super amigas, eram super espiãs e estavam sempre vencendo vilões e ganhando batalhas. Além de provar que meninas podem fazer tudo – e de salto! (desculpa, não pude evitar), mostrou como as mulheres são versáteis, inteligentes, independentes e autossuficientes. Dá pra levar boas lições com o trio e até mesmo com a Mandy, sua principal rival, que possui camadas de sensibilidade.

 

Nunca é tarde para rever certos conceitos e questionar alguns padrões que nos foram impostos. Se mesmo depois dessa lista você ainda acredita de as mulheres nunca podem ser verdadeiramente amigas, tá aí a oportunidade de maratonar alguns episódios! E para quem já viu alguma(s), aproveita para matar a saudade e analisar com novos olhos.

*Fandom -> União dos termos em inglês Fan (fã) e Kingdom (Reino), resultando em “reino de fãs”. É uma expressão utilizada para designar um grupo de pessoas que são fãs de algum produto ou artista.

Terror em Série – American Horror Story: Roanoke e suas múltiplas reviravoltas

A sexta temporada de American Horror Story (AHS) foi exibida em 2016 e trouxe uma tentativa de dar uma complexidade maior para suas tramas, focando em três camadas narrativas diferentes que vão se desenrolando durante os episódios. Além disso, paralelamente, ela mostra o passado da casa na qual a história está centrada.

A narrativa começa bem, mas deixa suspeitas de que talvez se encaminhe por um rumo um pouco repetitivo, trazendo ares muito semelhantes aos de Murder House. Na trama, o casal Matt e Shelby se mudam para uma misteriosa residência, que possui um secreto e sombrio passado. E a história daquele lugar remete bastante à atmosfera da terceira temporada (Coven), onde Kathy Bathes interpreta mais uma vez uma mulher sanguinária, a personagem Thomasin, a açougueira.

 

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Mesmo com as semelhanças, os episódios são consistentes e apresentam um elemento novo: no enredo, uma produção está realizando um documentário sobre os acontecimentos da casa. O tom quase metalinguístico, com pitadas de mocumentário, traz um tom de suspense e uma impressão de que tudo pode acontecer. O risco, algo visto nas obras de terror, se mostra maior, alimentando bem a curiosidade do espectador, dando poucas chaves e abrindo muitas possibilidades.

E aí que mora o maior problema de Roanoke. Muitas portas são abertas e é difícil se conectar com qualquer possibilidade. Após o sucesso da primeira temporada da série ficcional que o público vê na história do seriado, partimos para o segundo ano, agora, com atores interpretando todos os envolvidos na trama. A equipe realiza tudo na mesma casa onde todas as mortes aconteceram. A partir disto, a narrativa se modifica por completo e a metalinguagem e crítica aos realites shows, são substituídos por jump scares baratos e uma grande falta de coesão narrativa.

 

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A relação entre as personagens novas é mal construída e o valor das mesmas parece inexistente. Como elas não possuem um elo forte de ligação com o público, vão se amontoando em mortes diferentes a cada episódio, substituindo aquele suspense característico da série, pela constante procura em provocar medo com fantasmas e assombrações cada vez mais assustadores.

É essa tentativa constante de superar tudo antes já visto no seriado que destrói qualquer forma de conexão que poderia surgir, é extremamente forçada a busca de surpreender. Talvez o maior louro de Roanoke seja a crítica, até um pouco simplista, da sede de sangue que o público estadunidense possui de ver a desgraça alheia. Porém, nada que Black Mirror já não tenha feito em seus primórdios. O sexto ano de AHS fica um pouco no meio do caminho de tudo.

Sobre as intercessões com as temporadas anteriores, os principais destaques são: a primeira bruxa suprema – numa referência à Coven – e a presença de Lana Winters – de Asylum – uma escolha sempre acertada de Murphy. Para os fãs da série, só restou conferir os episódios e esperar pela temporada seguinte, muito superior e que traz de volta o suspense e os dramas que unem psicológico e sobrenatural, explorando o que American Horror Story faz de melhor: encontrar o terror dentro das pessoas mais inesperadas, desvendar almas sombrias de lugares menos prováveis. A quinta  e a sexta temporadas do seriado quase provocaram seu downfall, mas, a mesma se recupera com louvor. Mas, vamos deixar para o próximo mês!

 

BR em Série: Webséries brasileiras oferecem narrativas diversificadas e ganham espaço em premiações

Há algumas décadas, seriados audiovisuais eram apenas televisivos. Hoje, não os associamos mais somente à canais de TV (apesar de no Brasil a TV aberta ainda ser dominante) senão também à internet, principalmente com o crescimento dos serviços de streaming*, como a Netflix. Com o desenvolvimento tecnológico, essas mudanças revolucionaram não só as formas de assistir a séries, como também formatos e tipos de produções. Além deste serviço, existem outros estilos de produções audiovisuais surgindo e crescendo no mundo, como aquelas feitas para redes sociais e sites de vídeos. O Vimeo e o Youtube são exemplos disso. Estes materiais são popularmente conhecidos como webséries, que tem não só possibilitado produções mais acessíveis, como também uma maior pluralidade de temas.

Webséries ou seriados digitais são produtos serializados distribuídos online e com episódios mais curtos que os das séries televisivas comuns. Surgem no final da década de 1990, nos EUA, a partir do processo de convergência da web com a televisão, que depois consagrou-se enquanto formato com narrativa e especificidades próprias. Elas surgem pela necessidade do espectador consumir um conteúdo que poderia ser assistido casualmente. Por isso, variam entre 3 e 20 minutos de duração, mantendo uma narrativa mais simples, com histórias não muito complexas, que não exijam atenção total do espectador. A distribuição pela internet também possibilita uma maior liberdade criativa, pois não enfrentam as mesmas limitações de um conteúdo televisionado, o que incentiva a geração de conteúdos mais livres, a transformando em um formato midiático com oportunidades nos mais diversos nichos.

 

 

Em contrapartida, não há modelos de negócios e divulgação que tornem as webséries rentáveis, o que desincentiva muitos produtores. Por outro lado, assim como os curtas-metragens, os festivais são espaços possíveis de ganhar visibilidade e prêmios. O número de webfests têm crescido pelo mundo, e mesmo os festivais tradicionais de TV e Cinema com o Emmy e Cannes já abriram novas categorias visando essas produções. No Brasil, o maior é Rio WebFest, que teve sua edição inaugural realizada em 2015. Sediado desde 2016 na Cidade das Artes, se consolida como um dos maiores do mundo. A última edição aconteceu em novembro 2018, e premiou produções de diversas partes do Brasil.

 

Abaixo pequenas resenhas de algumas webséries com temáticas interessantes e que chamaram atenção nos festivais.

 

 

O Som do Amor: A Bahia em música e simplicidade

 

 

Não existe fórmula mais eficaz em atrair um público comercial do que histórias de romance. Um dos gêneros mais antigos, da comédia ao drama, as histórias de amor tem como forte, as relações amorosas e conflitos para viver o amor. A websérie  baiana, O Som do Amor, traz essa receita com muita simplicidade, aliado a outro forte artifício do melodrama: a música. Uma história de amor que se desenrola rápido, com um conflito usual, mas sem um drama exagerado, comum de produções assim. Tudo isso dá a produção um aspecto de ordinariedade. Porém, este logo se mostra ser o propósito da série, ou seja, retratar uma vida comum com o amor e a amizade. Marina e Dito, o casal protagonista, também conseguem trazer essa naturalidade a história. São 5 episódios de até 5 minutos que constroem relações que nós nos identificamos. O cenário, então, é bem romântico, com imagens lindas da cidade de Salvador. Talvez o que falte seja talvez circular por mais espaços, são poucos cenários por onde os personagens trafegam, como, por exemplo, a maioria das cenas acontece no mesmo bar. Isso não é de todo um problema, pois existem séries sobre grupos de amigos que fazem a mesma coisa, como os seriados Friends e How I Met Your Mother. Dado a realidade das séries digitais, com tempo curtos e baixo orçamento, é compreensível que se estruture uma narrativa mais concentrada e dê foco aos personagens principais. Falta desenvolver, talvez, os personagens secundários, que surgem quase como figurantes. O seriado ganhou Melhor Série Brasileira no Rio Web Fest e em breve terá lançamento da sua segunda temporada. Confira o trailer aqui:

 

 

Punho Negro: Uma história de super-herói contemporânea e brasileira

 

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Uma outra fórmula que também tem atraído um vasto público comercial são as narrativas de super-heróis. Apesar disso, o Brasil não tem muitas produções com essa temática. Uma justificativa usual para isso, é que essas produções normalmente são muito caras. De maneira engraçada e inteligente, a websérie baiana Punho Negro, traz uma super-heroína contemporânea, cheias de críticas a sociedade, sem deixar de rechear com cenas de ação e fantasia típicos do gênero. Os efeitos e a arte da série são uma questão a parte, com uma paleta de cores complementar ao figurino da protagonista, que também se adequam a arte dos créditos e da abertura que funcionam bem com a música. Efeitos simples, mas que não recaem sobre uma artificialidade (muito comum em produções que abusam de efeitos de computador gráfica). O projeto fica por conta do coletivo independente Êpa Filmes e traz personagens e situações, que, aliados com boas atuações, não deixam a desejar, tudo parece funcionar muito bem. Punho ganhou prêmio de melhor ideia original no Rio Web Fest, porém, ainda não há notícias sobre uma segunda temporada.

 

Link da serie no youtube:

 

Eixos: Narrativa distópica com uma produção majoritariamente de mulheres

 

 

Quem disse que Brasília não poderia viver um futuro distópico? Com uma fotografia, arte, maquiagem e figurino excelente, a websérie Eixos apresenta a capital do país em 2060, onde conflitos políticos e revoltas violentas levaram ao desmoronamento da ordem mundial, deixando a população a sua própria sorte. Imagens de ruínas, sujeira, calor e desesperado deixam a cidade irreconhecível. A narrativa que veio dos quadrinhos, com direção, roteiro e arte de mulheres, tem como protagonistas Cássia. A personagem é uma mulher forte, aventureira e dura e, junto com Inês, de personalidade mais leve, decide procurar seus amigos desaparecidos. A relação entre elas, que horas beira a uma relação amorosa, constrói uma história de luta e fé mesmo num mundo destruído. O problema que acontece em muitas narrativas desse tipo, é que muitas vezes se perdem nos detalhes. Os personagens secundários também enriquecem a narrativa, como Chico e Mãe Obá. Eixos foi indicada a melhor fotografia, melhor maquiagem e melhor série de ação no Rio Web Fest 2017. Link do trailer:

 

* Streaming Media é uma tecnologia sobre transmissão de conteúdos audiovisuais adquiridos  através de pacotes da internet, em que as informações não são armazenadas pelo usuário em seu próprio computador. odo vídeo “on demand” é transmitido via streaming. Mas nem todo conteúdo por streaming está sendo enviado sob demanda, ou seja conceitualmente é tudo o mesmo.

 

**Vilma Martins é jornalista, cineasta, produtora, pesquisadora e mestranda em Comunicação, pela Universidade Federal da Bahia.

Na Trilha da Série: The Four Brasil – primeiras impressões

Na última quarta-feira (6), estreou mais um reality show musical na televisão brasileira: o The Four Brasil, da Rede Record. O programa é apresentado por Xuxa Meneghel, e tem como equipe de jurados o cantor sertanejo Leo Chaves – previamente técnico do The Voice Kids, junto a seu irmão e dupla musical, Victor –, a cantora Aline Wirley, do grupo Rouge, e o produtor musical e empresário João Marcello Bôscoli. Com versão original israelense, o formato é estruturado na escolha prévia de quatro finalistas pela produção e jurados do programa – por isso o nome The Four, traduzido por “os quatro” –, que precisam defender suas cadeiras de desafiantes a cada semana.

A premissa de que o The Four já comece na última fase, visto que os quatro finalistas já estariam selecionados, de fato se diferencia de outros programas de reality musical, que funcionam geralmente em um ciclo que passa por audições à processual eliminação de candidatos, culminando na coroação do vencedor. Na realidade, como há desafiantes a esse top 4, a rotatividade de candidatos também será grande, só se chegará ao vencedor de uma forma diferente. O processo do desafiante conquistar uma das cadeiras dos finalistas é o seguinte: o cantor precisa inicialmente se apresentar para os jurados, que decidem de forma unânime se ele merece a chance de desafiar um dos The Four em batalha ou não; se sim, o desafiante escolhe um desafiado, e ambos se apresentam com canções diferentes, para posterior decisão do público presente no estúdio (via aparelhos de votação) sobre qual merece permanecer no programa.

 

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O formato do The Four remete imediatamente ao desafio das seis cadeiras, fase do programa X Factor onde todos os candidatos cantam, e vão sendo colocados e/ou retirados das seis cadeiras que representam as vagas finais nos times de seus técnicos. É uma das etapas com maior emoção e cortes mais marcantes desse reality. Essa escolhade um formato similar por parte dos produtores do The Four como uma garantia de emoção em cada programa, com o objetivo de prender a atenção do público. Inclusive, segundo a lógica desse produto, os quatro finalistas que iniciam um episódio podem ser totalmente substituídos por desafiantes desconhecidos ao fim do mesmo.

Os quatro finalistas que iniciaram o programa de estreia, escolhidos por produção e técnicos, foram Erik Moraes, Bruna Oliver, Fernando Manso e Stanya, que traziam o traço comum de possuírem carreiras desenvolvidas, por vezes já com CDs lançados ou composições com artistas estabelecidos no mercado. Após breve apresentação de cada um e um número musical dos quatro juntos, foram iniciados os desafios: um total de seis cantores nesse primeiro programa, que, após a votação da equipe de jurados, deram origem a três batalhas com membros do The Four. (SPOILER ALERT!) Houve prova que a rotatividade será alta: já nesse primeiro episódio, dois dos finalistas perderam suas cadeiras e foram eliminados do reality. De forma geral, vocalmente, os participantes, até então, pareceram competentes, sem grandes desafinadas ou deméritos, de forma similar ao que encontramos em outros programas de calouros como The Voice Brasil ou Ídolos. Uma apresentação que pode ser um destaque para o espectador é a do cantor Arthur Olliver, que interpretou a canção Fallin, de Alicia Keys. Acompanhe abaixo o vídeo, além do processo de análise dos jurados se o candidato poderia ou não realizar a batalha com um membro do The Four:

 

 

No The Four, chamam a atenção alguns detalhes, como a escolha do repertório dos participantes. No decorrer do programa, somente uma candidata optou por cantar uma música brasileira – inclusive com boa apresentação, porém foi eliminada pelos jurados. Uma canção de forró, “Xodó”, em um universo de doze números musicais. A escolha foi ainda questionada por um dos competidores e um dos jurados, em comentários, como possivelmente equivocada para um programa com tanta relevância de escolha de repertório. Creio que seja uma questão que merece ser destacada sendo que o programa se passa no Brasil.

Outra questão que pode surgir, assistindo ao programa, é a decisão da produção de dar a possibilidade de voto à plateia in loco, não envolvendo os telespectadores. Como gerar engajamento com o programa sendo que o público de casa não terá qualquer poder de decisão sobre a permanência de seus candidatos preferidos? No entanto, o fato da hashtag #thefourbrasil ter estado em primeiro lugar nos trending topics do Twitter no mundo (informação apresentada durante a exibição do programa) pode indicar também um cenário promissor em relação ao interesse do público. E você, se interessou pelo programa? Se sim, deixe um comentário com suas impressões!

 

*Hanna Nolasco é jornalista, mestre em Comunicação e Cultura Contemporâneas pela Universidade Federal da Bahia e desenvolve pesquisas sobre o uso da música em produtos televisivos.

 

Terror em Série: American Horror Story: Hotel

Dando continuidade ao nosso especial sobre American Horror Story, chegamos na quinta, e menos interessante, temporada. Hotel tinha tudo para ser fabulosa: a dualidade de um ambiente que envolve glamour e o grotesco, personagens potentes e paradoxais e, claro, a presença de Lady Gaga, para dar um toque a mais. O enredo começa bem, apresentando um antigo hotel que parece suntuoso, com uma atmosfera vintage, mas que guarda segredos fantasmagóricos. As primeiras hóspedes que vemos já são atacadas nos primeiros minutos de tela, usando uma técnica narrativa vista no horror de estabelecer para o espectador o que pode-se esperar pela frente. Existe um tom de promessa, de que, de certa forma, os episódios terão uma carga horrífica menos sutil.

 

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E é na falta de sutileza que Hotel se perde. O que se aparenta é uma necessidade grande de assustar o público, por isso, os jump scares* e monstros e fantasmas aparecem com muita força nessa temporada, deixando um pouco de lado o que havia de mais forte na série que era elucidar o que existe de mais estranho nas personalidades das pessoas em cena. Com exceção de James Patrick March, personagem do sempre inspirado, Evan Peters, vemos somente cenas isoladamente bem feitas, que trazem momentos de medo e curiosidade, mas que, unidas, formam uma colcha de retalhos mal desenvolvida, deixando a narrativa da série perdida.

A história se foca no John Lowe, detetive que é convidado ao hotel e começa a sonhar com seu filho desaparecido. Mas, Lowe vai perdendo seu destaque e sua força para outras personagens mais bem construídas. Sua única importância termina sendo com a Condessa, interpretada por Lady Gaga, mas, ainda assim, a trama das crianças roubadas por ela é mal resolvida e sua resolução é executada de maneira apressada.

 

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O que pode não deixar a temporada mergulhada num tédio para o espectador é seu visual sombrio, que combina uma direção de arte acertada, que sabe unir uma estética vintage com um tom de moderno do que se é considerado bizarro, destacando a intenção de mostrar um lugar atraente e assustador ao mesmo tempo. E também algumas aparições de outras temporadas, como Queenie e Billie Jean. Os ganchos terminam sendo o que mais prende o espectador de certa forma.

O episódio da noite em que os mortos podem andar entre os vivos é, sem dúvida, o mais forte da temporada. Liliy Rabe, que interpreta Aileen Wuornos, e Evan Peters trazem a complexidade na criação de personagens que despertam empatia e são, ao mesmo tempo, o resumo da maldade, trazendo o que há de mais forte em American Horror Story, o estudo da personalidade humana, a multiplicidade de olhar sobre o que se considera vil e o olhar de quem encara a crueldade e o sadismo como elemento de seus cotidianos.

Apesar de ser a mais fraca das temporadas, Hotel tem seus momentos e não perde sua qualidade estética. Infelizmente, os episódios constroem um universo frágil e personagens mal desenvolvidas, deixando somente alguns momentos de riqueza narrativa.

 

*jump scare: mudança repentina de imagem ou situação, criado para dar sustos imediatos na plateia.

 

 

Maratone como uma Garota!: Tabus, liberdade e sexualidade feminina em Sex Education

Sex Education é muito mais do que pode parecer! A comédia dramática britânica, que está entre as queridinhas do público, se passa em um colégio cheio de adolescentes e tem como tema central: Sexo! Na infinidade de clichês que poderia emergir daí, a série, criada por Laurie Nunn, surpreende pela lucidez com que aborda temas e tabus que a maioria dos jovens vive, viveu ou vai viver um dia. A diversidade de questões apresentadas, como homossexualidade, aborto, sororidade, masturbação feminina, orgasmo e virgindade, bem como a complexidade na construção das personagens, são alguns dos trunfos. A Maratone como uma garota! de hoje vai discutir a importância de se abordar a sexualidade feminina e a liberdade sexual das mulheres em produtos para um público mais jovem.

 

O enredo centra-se em Otis (Asa Butterfield), típico adolescente nerd de 16 anos, que é um grande conhecedor de sexo, só que na teoria! Ele é filho da terapeuta sexual Jean (Gillian Anderson), com quem tem uma relação próxima, mas um tanto complexa. Otis, que além de virgem tem problemas para se masturbar, entra em uma sociedade com Maeve (Emma Mackey), após dar conselhos sexuais ao valentão do colégio. Maeve propõe que Otis seja um consultor sexual em troca de dinheiro. É nesse consultório “clandestino” que começam a emergir reflexões, dúvidas e situações inusitadas que envolvem sexo, jovens e relacionamentos. A virgindade, por exemplo, é abordada de modo cômico, mas sempre trazendo a reflexão: por que o sexo é tão importante (ou não) para cada um?

 

 

Maeve tem o protagonismo feminino na série. Sua (im)popularidade se deu por boatos envolvendo sua intimidade sexual. Apresentando-se como rebelde e anti social, a personagem é uma das mais bem desenvolvidas e ricas. A segurança com que lida com a própria liberdade sexual demonstra não só maturidade pessoal, mas conhecimento teórico e histórico sobre feminismos e literatura, mostrando como somos multifacetados e rompendo com certa tendência de reduzir as mulheres a certos estereótipos limitantes (a “nerd feia”, a “gostosa popular”, a “loira burra”, e quantos mais se lembrar). Além da amizade secreta com a popular Aimee Gibbs (Aimee Lou Wood), tem uma relação casual com Jackson (Kedar Williams-Stirling), o rapaz mais popular do colégio, que está apaixonado por ela. *SPOILER ALERT*. O drama da gravidez na adolescência é um tema delicado, especialmente quando envolve a escolha pessoal de optar por interrompê-la. A escolha do aborto é retratada de modo direto, sem julgamentos morais e sem diminuir a complexidade do ato, com uma lucidez que merece reconhecimento.

Sororidade, aquela palavrinha que vira e mexe aparece por aí, e que já abordamos em outras colunas, marca grandes momentos na série. A “união entre mulheres”, como se define, ganhou contornos bem significativos na trama. Maeve e Allison, por exemplo, pertencentes a mundos completamente diferentes, não só compartilham confidências, mas respeitam a individualidade, fortalecem e incentivam uma a outra. Isso é fundamental para que as adolescentes vejam as diferenças por uma ótica mais celebrativa e inclusiva. Allison, que sempre se esforça em agradar os parceiros, busca ajuda com Otis para tentar descobrir o que de fato lhe agradaria sexualmente e a orientação que recebe é bem simples, mas um dos maiores tabus dos séculos –*SPOILER ALERT*: a masturbação feminina. A prática não só ajudou-a a conhecer seus prazeres e preferências, mas a si mesma, tornando-a mais segura em suas ações. Muitas mulheres não conhecem o próprio corpo (como Maeve, que não localizou o hímen no desenho educativo) e isso é parte de um sistema de violência de gênero educacional.

 

 

O ponto alto de como a sororidade pode ser revolucionária vem quando o vazamento de uma foto íntima de uma garota e a chantagem sexual gera um clima de tensão no colégio.  *SPOILER ALERT* O desfecho é uma mobilização coletiva para enfraquecer a ameaça masculina de revelar a identidade da garota da foto. “It’s my vagina!” (ou: a vagina é minha!) começa a ecoar no auditório, por todos os cantos. Não importava de fato quem fosse a vítima, se amiga ou não, conhecida ou não, o patriarcado jamais pode ameaçar e violentar uma mulher e sair impune, então, a vagina é de todas nós!

Há um pequeno espaço também para pensarmos as relações entre casais lésbicos. Se no mundo em que a heteronormatividade reina já não se discute tanto a sexualidade das mulheres nas relações heteroafetivas, a invisibilidade da lesbiandade é nítida. Um exemplo é como, durante as aulas de educação sexual (na série), os alunos são sempre ensinados a utilizar o preservativo masculino. Como encontrar prazer e segurança para se relacionar com outra mulher se crescemos em um mundo em que se condena tal ato? Outra personagem marcante é Ola (Patricia Allison), cuja personalidade forte a faz romper vários padrões de gênero, como convidar o Otis para o baile e usar terno e gravata, levar e buscar o pai no trabalho.

 

 

Ainda que o centro da série seja os adolescentes e seus dramas sexuais, Jean, a real terapeuta sexual, tem seus momentos de roubar a cena. Mãe liberal, com sexualidade livre e abertura para todo tipo de conversa, ela não deixa de ter uma relação confusa com o filho, assim como também tem suas próprias dificuldades e entraves com relacionamentos. A personagem, porém, tem uma aparição que deixa um gosto de quero mais. Sex Education ainda rende muito mais discussões e essa temporada terminou deixando o público ansioso para a continuação, ainda que não esteja confirmada. Se tomarmos os produtos culturais massivos como grandes formadores de opinião, podemos comemorar a popularidade dessa série, pois precisamos tratar a sexualidade com mais naturalidade e menos tabus.

 

BR em Série: “Irmão do Jorel”, a animação original brasileira que é, literalmente, para toda a família.

Há quem diga que desenhos animados possuem um conteúdo infantil e bobo, voltado somente para crianças. Porém, a vasta e diversa produção e o público para filmes e séries animadas nos últimos tempos, tem mostrado o contrário. Um exemplo, é a série brasileira Irmão do Jorel, criada pelo quadrinista, apresentador, ator e roteirista Juliano Enrico e co-produzida pela Cartoon Network Brasil e a Copa Studio. Apesar das características ressaltantes sugerirem uma história mais infantilizada, seus personagens e enredos carregados de humor escrachado, dão profundidade à narrativa, atrelado as referências que constroem uma representatividade nacional que muito ainda falta aos desenhos infanto-juvenis.

 

A história do Brasil com animações seriadas para TV é recente. Mesmo com alguns sucessos no cinema, pode se afirmar que houve um crescimento grande de produções desse tipo a partir dos anos 2000, com a aprovação da lei 12.485/2011, conhecida como “Lei da TV Paga”  que estabeleceu um novo marco legal para a TV por assinatura no Brasil, garantindo a presença da produção audiovisual brasileira na maioria dos canais. Nesse período, a indústria da animação se desenvolveu bastante e uma das séries nacionais de maior destaque foi Peixonauta, que estreou no canal Discovery Kids em abril de 2009. O sucesso foi grande, contudo seu conteúdo é totalmente voltado para o público infantil (ou melhor, pré-escolar). No mesmo ano, o canal pago Cartoon Network, tradicional canal americano de animação comprou os direitos para produzir a série. Em 2014, estreou Irmão do Jorel que indicava como como faixa etária crianças entre 7 e 11 anos de idade mas, que conquistou um público muito mais amplo. O desenho original da série é o primeiro do canal na América Latina, ficando conhecido e sendo transmitido inclusive fora do Brasil. E em julho de 2018, estreou sua terceira temporada com mais 26 episódios que foram exibidos às segundas-feiras às 19:15 no Cartoon Network.

 

A família do irmão do Jorel, os personagens principais da série. Parodiando outra série brasileira “uma família muito unida, mas também muito ouriçada”

Aparentemente a narrativa é simplória: um menino de 8 anos que está crescendo e aprendendo a amadurecer. No entanto, é nessa simplicidade e generalidade que fica seu maior triunfo. Um protagonista tão comum que ninguém sabe seu nome, sendo conhecido somente através de seu irmão perfeito Jorel; uma família típica e tradicional; conflitos universais; aliado a uma representatividade nostálgica da infância, e mais ainda, de elementos da cultura brasileira, torna a séria atrativa para quem curte esse gênero de comédias leves. Em cada episódio nos deparamos com os conflitos vividos pelo protagonista. Tensões reais, aventuradas por uma criança fantasiosa, que a partir das relações com os outros personagens e com o ambiente em que vive, vai construindo uma narrativa engraçada e reflexiva que faz o público se apaixonar, mesmo com um toque escrachado e muitas vezes grotescos.

 

Personagens cativantes, numa narrativa sobre crescer numa família tipicamente brasileira.

 

É fato que uma boa série normalmente traz personagens interessantes e bem construídos e fazem o público se identificar com eles e com seus arcos dramáticos, mesmo que eles sejam vilões ou controversos. O desenho animado, Irmão do Jorel, consegue fazer isso com muita destreza. É impossível não amar os personagens da série e não identificar um pouquinho deles em nós e nas pessoas à nossa volta. Uma das explicações para isso, é que a história tem traços fortemente autobiográficos. O diretor Juliano afirmou em entrevistas que baseou várias situações e personagens em suas próprias experiências, porém, nega que o irmão do Jorel seja ele mesmo.

Irmão do Jorel pode ser definida como série comédia familiar. O núcleo principal é composto pela família do irmão do Jorel, cada um seguindo essa lógica dúbia do comum e ilógico, fantástico e trivial que permeia toda a construção da narrativa. Como foi colocado, é impossível não se identificar (ou identificar características) com os personagens. Um pai revolucionário, que sonhava em ser artista e vive reclamando do capitalismo, apesar de não resistir a ele; uma mãe cuidadosa, que vive enchendo o filho de sucos e comidas ruins, mas, que é muito forte, pilota sua moto e toma as decisões mais difíceis; os irmãos mais velhos, um perfeito, o queridinho da família e da escola, mas que nunca fala nada, e o outro, um roqueiro de cabelo grande e desleixado; e, claro, as avós que trazem toda uma relação de afeto, porém se contrapõe quase mimeticamente, fazendo o público enxergar um pouco de cada uma em suas vidas. Além deles, Juliano brinca também com os outros personagens e situações da vida real de uma criança, como a relação com a diretora e a professora, a menina bonita da escola, o ídolo, a melhor amiga. Cada personagem, apesar de uma estética caricata e muitas vezes repetitiva de se comportar, sofre, ri, transforma-se, tornando-os únicos e representativos.

 

Da esquerda para direita, Vovó Gigi, irmão do Jorel e vovó Juju, no episódio em referência ao filme Thelma e Louise.

 

Além disso, os personagens questionam algumas noções de gêneros, quando através do humor, trazem personagens diversos cheios de questionamentos, como por exemplo, mulheres fortes, homens que choram. O maior exemplo talvez seja a melhor amiga do irmão do Jorel, Lara, que é uma menina que não gosta de rosa, leva o amigo de bicicleta, gosta de jogar futebol e é muito independente.

O único ponto que fica um pouco excedente é a abundância do didatismo, comum em desenhos animados que trazem assuntos para educar as crianças. Por exemplo, na terceira temporada, se foca bastante na questão da poluição do oceano, que na série se dá por meio de uma fábrica de refrigerantes. Essa relação um tanto maniqueísta entre empresários, representado pela grande corporação da cidade, e os protagonistas, é amenizada com a carga irônica dada à algumas situações e a peculiaridade caricata dos personagens.

 

Ironias adultas x uma linguagem infantilizada.

 

Apesar do humor irônico, a série não contém tom pesado e nem usa do humor politicamente incorreto de animações mais adultas, como Rick e Morty, Family Guy e até mesmo Os Simpsons. Isso acontece, porque para a série ser exibida no Cartoon Network, algumas mudanças tiveram de ser feitas no visual e falas que os personagens tinham nas tirinhas originais. Mesmo assim, qualquer olhar mais maduro percebe, por exemplo, que o pirulito verde na boca da Vovó Gigi, é, na verdade um cigarro.

 

Irmão do Jorel e vovó Gigi são viciados em TV e principalmente nos filmes e programas do ídolo favorito deles, Steve Magal. O nome é uma referência ao cantor Sidney Magal e ao ator Steven Seagal.

 

O mundo visto pela perspectiva do irmão do Jorel é imaginativo, fantasioso, cheio de dilemas e situações comuns ao universo infantil, que contrapõe-se e contextualiza-se com as várias referências políticas e sociais do Brasil principalmente nos anos 80 e 90, como a memória da ditadura militar, os pais revolucionários “comunistas”, a influência da cultura norte-americana e a globalização, como por exemplo, na inauguração do shopping center, que se torna o evento mais marcante da cidade. O cenário e objetos também são todos pensados de maneira a referenciar/contextualizar esse período, como o vício pela TV e VHS, as construções modernas como o aeroporto, a cultura do rock, entre outras. A própria ironia metalinguística com o mundo pop, como os programas de televisão de ação e violência, episódios e cenas parodiando filmes, bandas, pessoas e músicas, atrai crianças e adultos nostálgicos. No meio de todas essas referências, ainda há espaço para  trazer ditados, gírias e personagens tipicamente brasileiros, como o comentários “típicos de vó”, situações como pegar piolho, o enredo sobre festa junina, etc. A dublagem cheia de sotaques também trazem o tom nostálgico de identificação, apesar da pouca variedade de dubladores. Essa relação entre uma linguagem infantil com humor irônico e as representações cria uma atmosfera bem humorada e não cansativa (os episódios ficam em torno dos 20 minutos), capaz de entreter toda família.

 

As duas primeiras temporadas estão disponíveis no Netflix. A terceira temporada  encerrou em 2018, e por enquanto ainda não há informações sobre onde poderá ser encontrada legalmente. Apesar de cada episódio ter seu arco principal finalizado- o que permite assistir e entender qualquer episódio sem necessariamente seguir a sequência numérica- na segunda temporada constrói-se uma serialidade mais complexa, com arcos maiores e referências a situações e detalhes da própria narrativa. Essa última temporada continua com participações especiais como a do rapper Criolo logo no primeiro episódio, após a participação de Emicida na segunda temporada, e muito,muito mais referências da cultura pop. Depois de tudo isso, para quem está em dúvida se vale a pena, dá uma conferida no trailer da 3 temporada abaixo:

 

Terror em Série: American Horror Story – Le Freak C’ést Chic

Em setembro, tivemos o início da oitava temporada de American Horror Story (AHS), finalizada, de maneira impactante, em novembro. Por conta desse novo ano do seriado, resolvemos fazer um especial sobre o programa de TV, criado por Ryan Murphy, comentando um pouco sobre cada um de seus anos. Este mês, vamos falar sobre a quarta temporada da série, Freak Show. A trama se passa majoritariamente dentro de um circo e traz personagens marcantes e linhas narrativas bem construídas.

O lado fantástico da produção é explorado com a presença do palhaço Twisty (John Carroll Lynch), que comete alguns assassinatos. Todo o plot deste ser macabro é o que quebra o certo tom mais melancólico de Freak Show, trazendo pegadas de gore e de trash para a série. A personagem, inclusive, é a única do quarta ano que aparece em temporadas futuras, até então. Em Cult, ele é retratado numa revista em quadrinhos de Oz, filho de Ally e Ivy.

 

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Além do palhaço Twisty, vemos um circo, bastante decadente, comandado por Elsa Mars (Jessica Lange). Logo no começo da narrativa dentro do circo, a atriz Jessica Lange canta Life on Mars*, numa performance que dita todo o tom do universo desta nova história em AHS, trazendo movimentos de câmera que se traduzem num ballet visual e mostram de maneira poética a vida do circo, unindo as figuras diferentes, que vivem à margem da sociedade com a beleza da cena que carrega em seus tons esverdeados.

As cores em Freak Show são bem exploradas, pois a direção de arte utiliza muitas tons claros e, supostamente, alegres, só que dessaturadas, trazendo uma ambientação melancólica e que elucida a emulação da alegria que há nas atividades circenses. A temporada trabalha bem as características de cada personagem, mostrando de maneira inteligente que o freak não é aquele com tipos físicos diferentes do que a sociedade costuma ver e sim aquele que tem uma crueldade dentro de si, uma maldade que transborda e se constrói numa personalidade distorcida e anormal. Freak Show é um tratado sobre como a natureza humana pode ser doentia.

 

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Os planos e enquadramentos das cenas acompanham esse pensamento. No início da temporada, as cenas com as personagens do circo possuem mais planos holandeses (câmera de lado), o uso do lens flare e do soft focus, criam uma ambientação que mescla o onírico e o estranho. Aos poucos, mesmo com uma fotografia sombria e com pouca saturação, os enquadramentos vão se tornando mais crus, traduzindo bem a curva dramática de Freak Show. Este fator faz com que a energia saia do fantástico e mergulhando num universo sombrio e cruel.

As duas personagens de Sarah Paulson, as irmãs siamesas, Bette e Dot, roubam a cena com suas personalidades bem delineadas, com uma construção minuciosa de Paulson, quebrando estigmas e clichês sobre a relação de gêmeas siamesas. Existe uma complexidade nos desejos das duas, que termina movendo a trama para frente em sua narrativa e atriz mostra a consciência da importância de suas personagens, quando vai fazendo-as crescer episódio por episódio, revelando nuances de cada uma delas.

 

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Freak Show se apresenta como uma sólida temporada, ambientando bem as contradições do universo circense, colocando mais uma vez as crueldades e distorções de personalidade nas personagens mais inesperadas e utilizando bem os aspectos visuais do audiovisual tanto para criar uma ambientação, quanto para construir personagens e justificar aspectos da trama.

 

 

* Life on Mars é uma música de David Bowie, de 1971.

**Hilda Lopes Pontes é cineasta e crítica cinematográfica. Formada em Direção Teatral e Mestre em Artes Cênicas, pela Universidade Federal da Bahia, hoje, ela é sócia-fundadora da Olho de Vidro Produções, empresa baiana de audiovisual.

 

Na trilha da série: Walt Disney Company e o lançamento de carreiras musicais

A Walt Disney é uma empresa de grande envolvimento com o gênero musical, tanto nos cinemas quanto na televisão. Suas animações musicais marcaram a infância de várias gerações, e sua ação também trouxe fama a artistas hoje célebres, impactando o mercado fonográfico estadunidense no decorrer das décadas. No Na trilha da série de hoje, destacaremos alguns artistas que iniciaram suas carreiras na Disney.

 

Mickey Mouse Club

 

Christina Aguilera, Britney Spears, Justin Timberlake. Quem acompanha a carreira desses cantores pop hoje, não imagina que sua trajetória se iniciou ainda na infância no Mickey Mouse Club, o clube do Mickey Mouse. Realizado pela Disney e exibido pela ABC e Disney Channel, esse programa esteve no ar em períodos diversos entre as décadas de 1950 e 1990.

Sendo um programa de variedades, os episódios do clube compreendiam esquetes de comédia, participação de celebridades, além de diversos números musicais. A versão lançada em 1989, estrelada pelos famosos cantores supracitados, além de outros artistas relevantes – Keri Russel, protagonista de The Americans, também fez parte da equipe desse programa em sua adolescência, por exemplo – foi denominada como o “novíssimo” clube do Mickey Mouse, apontando para uma renovação do estilo desse show.

Os números musicais variavam entre solos, duetos e números de coro, que compreendiam uma quantidade maior de artistas. Em destaque após se apresentar no Star Search, um reality show musical, com apenas 9 anos, Christina Aguilera mostrava no clube seu alcance e variedade vocal desde criança, apresentando alguns solos ao vivo como a seguinte canção de Aretha Franklin:

 

Outros números tinham vocais pré-gravados, sendo apresentados em playback (um tipo de dublagem) e com grande enfoque em coreografias. Um exemplo é o dueto de “I’ll take you there” apresentado por Britney Spears e Justin Timberlake:

 

 

Miley Cyrus e Hannah Montana

Quase duas décadas depois, um dos programas musicais recentes mais exitosos do Disney Channel, Hannah Montana, esteve no ar. Exibido entre 2006 e 2011, ele deu origem também a um filme homônimo. Estrelada por Miley Cyrus, a série acompanhava a história de uma garota que possuía vida comum durante o dia, porém à noite se transformava na estrela musical Hannah Montana.

O programa trazia alguns pontos de consonância com a vida pessoal de Miley: seu nome era o mesmo da protagonista, e seu pai, Billy Ray Cyrus – um cantor de música country- interpretava também o pai dessa personagem, que possuía a mesma carreira na ficção.

O sucesso de Hannah Montana alavancou a carreira musical de Miley Cyrus, que iniciou os trabalhos da série ainda com 14 anos. Sua trajetória familiar já trazia o ambiente da música, não só por seu pai, mas também por sua madrinha, uma das maiores cantoras do country estadunidense: Dolly Parton. No entanto, foi após a exposição que alcançou na série da Disney que a cantora lançou seu primeiro CD solo, Meet Miley Cyrus, em 2007. Desde então, desenvolveu sólida carreira musical perpassando vários gêneros de música.

“The Climb”, uma das canções mais famosas da carreira de Cyrus, foi lançada como single e utilizada no momento de ápice do filme Hannah Montana:

 

Artistas teens dos anos 2010

Após o sucesso da série anterior, a Disney investiu ainda mais em uma variedade de programas para o público adolescente, incluindo também filmes. Alguns exemplos são High School Musical, construído em uma trilogia, e Camp Rock, sequência de duas obras, todos sendo filmes musicais.

Este último título, lançado em 2008, destacou a performance musical dos artistas Demi Lovato e Jonas Brothers. Após o filme, eles saíram em turnê musical juntos, já desvinculados de seus papeis ficcionais. Demi continuou a fazer seriados no Disney Channel, enquanto tocava sua carreira musical. Já os Jonas Brothers, trio de irmãos cantores, alcançaram uma base de fãs tão expressiva que a emissora lançou Jonas L.A, uma série com formato de reality show, que acompanhava a rotina desses artistas.

Selena Gomez é outra artista contemporânea que possui trajetória similar à de Demi Lovato. Ela já havia atuado em televisão, mas foi protagonizando a série de fantasia do Disney Channel, Os Feiticeiros de Waverly Place, que ganhou mais notoriedade. Um ano depois do lançamento da série, Selena iniciou sua carreira musical com a banda The Scene. Seu primeiro álbum solo, no entanto, só foi lançado em 2013.

Além dos cantores citados aqui, muitos outros artistas tiveram carreiras lançadas pela Disney. Sendo assim, essa empresa trouxe impacto para a indústria fonográfica, também através da grande variedade e vendagem dos CDs de trilha de seus programas.

*Hanna Nolasco é mestre em Comunicação e Cultura Contemporâneas pela Universidade Federal da Bahia e desenvolve pesquisas sobre o uso da música em produtos televisivos

Maratone como uma Garota! – Sororidade e Profissionalismo em Suits

Suits poderia ser mais uma produção dramática cuja trama percorre tribunais e escritórios de advocacia, mas a série, que chegou à 8ª temporada em 2018, reserva personagens femininas complexas e intensas, que passam longe de meros acessórios na história e subvertem alguns estereótipos do gênero. Deixando de lado os Homens de Terno (tradução brasileira para Suits), a Maratone como uma Garota! vai abordar e a representação feminina, especialmente as relações entre mulheres, no ambiente profissional.

A série gira em torno de um escritório de advocacia corporativo de Manhattan. Até a temporada anterior, o enredo centrava-se em Harvey Specter (Gabriel Match), melhor advogado de NY, e Mike Ross (Patrick J. Adams), um rapaz com memória fotográfica que fingia ser advogado formado em Harvard. Com a saída de alguns atores do elenco, o protagonismo se dispersa e a história foca agora nas tensões e conciliações dentro da Zane Specter Litt.

 

 

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Apesar do protagonismo Specter-Ross, Suits já demarca, desde os primeiros episódios, que quem manda na coisa toda é Jessica Pearson (Gina Torres). Ela é basicamente a rainha suprema, talvez a personagem cuja construção mais evoluiu, sendo desde o início uma mulher firme, inteligente, chefe e advogada implacável e que preza por quem está ao seu lado, sempre atenta aos sentimentos dos outros. Some-se a tudo isso o fato de que além de mulher, ela é negra. E a questão racial recebe a devida atenção, de modo sutil (ao longo de momentos chaves), sem se tornar uma tecla constante, mas sem passar batido. Esse conjunto de atributos situam a personagem entre uma das melhores representações dos anos recentes. Superando o papel da mulher negra forte, Jessica, assim como Annalise Keating e Olivia Pope, são cheias de traços de personalidade e profissionais que subvertem a estrutura social e reivindicam seu lugar de direito.

Ao lado de Jéssica, Donna Paulsen é a mais querida da série. “Eu sou Donna” é o seu “Eu sei de tudo”. De fato, Donna sabe tudo, já que é bastante sagaz, responsável e hábil para negociações. Inicialmente ocupando o cargo de secretária pessoal de Harvey Specter, a personagem sempre foi central no desenrolar dos casos. Donna e Harvey nutrem um sentimento intenso, mais que amizade, o que os torna o ship mais fofo da série, ainda que o casal nunca tenha ficado junto. Essa relação clichê chefe-secretária, muito estigmatizada em filmes e séries, é bem desenvolvida aqui, principalmente pela construção de Donna como o campo sensato e racional, além de uma mulher com valores e visão bastante feministas. A personagem cresce a partir desses valores e de uma boa dose de empoderamento – (ALERTA DE SPOILER) -, chegando ao cargo de COO (chefe de operações) por sua determinação e exigência.

 

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Donna é quase sempre o elo que preza pela união das personagens femininas ao longo das temporadas. Sua relação com Jessica Pearson é de mútuo respeito e confiança. Soma-se ao time das protagonistas Rachel Zane (Meghan, Duquesa de Sussex, a nova membro da família real britânica), filha de um dos principais advogados de NY, mas que decide traçar seu caminho por conta própria e por isso vai trabalhar na Pearson Hardman (nome inicial da firma). Rachel é insegura, porém decidida. A personagem não consegue entrar em Harvard, requisito para ser associada, mas por sua dedicação à firma, consegue que seja revogada essa exigência. A paixão por Mike sempre esteve central no desenvolvimento da personagem e parece que estamos um pouco sem paciência para mulheres apaixonadas, já que Rachel era uma das menos queridas pelo público. Ainda assim, o seu crescimento profissional, a maturidade e competência que desenvolve, merecem o reconhecimento, visto que mulheres jovens e belas nem sempre são respeitadas em tramas assim. 

Rachel e Donna logo se tornam melhores amigas. Donna esteve sempre impulsionando-a, afinal, uma sobe e leva a outra, né mesmo? No ambiente profissional, ambas se empenham em cuidar dos interesses da firma antes de tudo. Há um notável equilíbrio entre o afeto pessoal e profissional, o que torna a relação das duas admirável ao público. Jessica reconhece em Rachel seu potencial como advogada mas, mais que isso, reconhece a força e determinação da jovem, que, sendo mulher e negra, vai percorrer um caminho semelhante ao que ela (Jessica) teve de trilhar. Ou seja, a empatia entre ambas se fortalece e estreita sua relação. Rachel, que via em Jessica seu modelo e inspiração, sendo ela um dos motivos pelo qual quis estar no escritório, teve Jessica também como mentora.

 

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O conceito de sororidade recebe, entre Jessica e Rachel, contornos bastante sensíveis e muito admiráveis na série. A questão de gênero e raça ganham força, remetendo à importância da afetividade e irmandade entre mulheres negras em sua construção política e social. Além de Jessica, Donna e Rachel, que diversas vezes trabalham em conjunto, a série apresenta mais mulheres que não podem ser esquecidas. Katrina Bennet (Amanda Schull) é uma das advogadas associadas mais ferozes e determinadas. Katrina retorna a 8ª temporada como elenco principal. Estreita sua relação com Donna, quem também a impulsionou profissionalmente. Sheila Sazs (Rachael Harris) também torna-se elenco principal. Sheila, agora casada com Louis, opta por tornar-se mãe, algo que recusava veementemente nas temporadas anteriores, e afirma que a maternidade não deverá interferir nas suas aspirações profissionais e que seu desempenho jamais será inferior por ser mãe.

A saída de Rachel (devido ao casamento real de Meghan, agora não mais atriz) e Ross foi compensada, na última temporada, com a entrada de novos personagens e a volta de antigos. Samantha Wheeler (Katherine Heigl) é uma das novas protagonistas. Braço direito de Robert Zane, é uma das melhores advogadas de Nova York. Jovem, esperta e capaz de tudo para vencer, a personalidade de Samantha vai sendo reveladas aos poucos. A relação entre ela e Donna é um dos traços mais interessantes da 8ª temporada. Donna percebe que Samantha, que não é muito de amizades, talvez precise de alguém em quem confiar, pessoal e profissionalmente, de modo que consegue tornar-se íntima.

 

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Chimamanda Ngozi Adichie, no livro Sejamos Todas Feministas (no trecho incorporado na música Flawless, da Beyoncé), afirma que nós (as sociedades) costumamos criar as mulheres para competir umas com as outras, não por empregos ou realizações, o que a autora julga uma coisa boa, mas pela atenção dos homens. Qualquer mulher sabe que, desde crianças, somos incentivadas a competir por atributos físicos, a ver as outras mulheres como rivais, e não parceiras, a desconfiar e rivalizar com nossas companheiras. Ao contrário da  “brotheragem” masculina. Pois bem, Suits abre espaço para essa discussão com uma firmeza que não passa batida em meio aos processos jurídicos. Desde o início, suas personagens refletem que não estão ali para passar pano ao patriarcado e sabem muito bem que competição e rivalidade não devem cair nas armadilhas machistas.

 

**Letícia Moreira é produtora cultural e pesquisadora. Além disso, é crítica de cinema, pelo site Mais que Sétima Arte (https://maisquesetimarte.wordpress.com/)

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