BR em Série: Nem 8 nem 80, distopia brasileira “3%” apresenta inovações, mas mantém velhas problemáticas

A série 3%, desde seu lançamento em 2016, dividiu opiniões e proporcionou debates a respeito das produções nacionais. O seriado já caminha para sua terceira temporada, em 2019, tendo sido a série de língua não-inglesa mais assistida dos EUA, além de ser uma das séries brasileiras da Netflix de maior sucesso. É impossível não se questionar o que proporciona esse efeito se, por outro lado, tantas foram as críticas desfavoráveis por grande parte do público e da crítica brasileira. Uma conclusão mais ingênua levaria a velha falácia, “falem mal, mas falem de mim”, isto é, todo o burburinho em torno da série teria influenciado na sua visibilidade. Essa afirmação não é de todo falsa, porém, esse não é único responsável. Dois pontos podem ser considerados importantes para pensar essa recepção: primeiro, trata-se de uma trama que mistura gêneros clássicos e populares, um mundo ficcional distópico carregado de ação, aventura e suspense; e segundo, a exigência por narrativas mais coesas e coerentes.

O enredo é típico das histórias sobre mundos ou futuros ficcionais edificados sob uma organização política-social que representa a antítese da utopia ou uma “utopia negativa”, a chamada distopia. Esse tipo de enredo não é novo, ficou famoso principalmente na literatura com George Orwell e Aldous Huxley, e no meio audiovisual se consagrou e persiste até hoje. Muitos compararam, inclusive, 3% à saga Jogos Vorazes, que também retrata uma distopia política e social e que obteve muito sucesso de público. Contudo, no seriado temos marcas de uma distopia contextual, no caso, bem brasileira. Mesmo se passando num universo fantasioso, a trama encara vestígios do Brasil real e atual. Nesse universo, os habitantes do lugar chamado Continente, ao completarem 20 anos, podem se inscrever em um processo seletivo cruel em que apenas três por cento deles são aprovados e aceitos para irem ao outro lado (Maralto), bom e perfeito. Criada pelo jovem Pedro Aguilera – que pensou a trama em 2011 e colocou três episódios no youtube com esperança que comprassem sua ideia – e dirigida na sua primeira temporada por Daina Giannecchini e o fotógrafo César Charlone (Cidade de Deus), a série em princípio carrega um caráter ensaístico, mas vai ganhando contornos e profundidade à medida que avança, por outro lado, desmonta nos detalhes e em aspectos básicos do roteiro, como diálogos e construção de personagens.

 

Crítica política com metáforas comuns 

O ponto chave da série é trazer os aspectos do gênero ficção, futurismo, e distopia para o Brasil, tanto narrativamente quanto na produção. A Rede Globo ensaiou algumas outras séries nesse sentido, mas sem dúvida a Netflix conseguiu produzir uma das maiores histórias de ficção científica seriada brasileira até agora. Nesse sentido, é injusto criticar o enredo como um todo. Finalmente temos um fim de mundo brasileiro, subtramas de infiltrados, conspiração, anarquia, num lugar fictício, mas notadamente uma metáfora do país. Mesmo que não esteja explícito na série, fica claro que a história se passa num lugar como Brasil. O plot principal, “O Processo”, é quase uma alegoria do vestibular e todo discurso sobre meritocracia e desigualdade social.

 

 

O que muitos chamam de “clichê”, são artifícios típicos do gênero, ou recriações de outras produções – que podem, inclusive, funcionar inclusive como referências (como é o caso da série Strange Things). Porém, não se pode atribuir todas as críticas a chamada “síndrome de vira-lata”, que vê os produtos nacionais com pessimismo e como inferiores.  Essa “síndrome” ainda é muito forte e real, mas a Netflix vem quebrando essa regra produzindo séries em diversos países e muitas com alta qualidade. Por outro lado, as narrativas muitas vezes acabam se enquadrando num padrão trivial e globalizado, influenciado bastante pela plataforma, que é o caso de 3%. O enredo simples e convencional, e muitas vezes redundante, acaba funcionando como uma crítica superficial, mas não deixa de ser atrativo, ainda mais porque foi lançado no momento da polarização política que tem consequências até hoje. Do meio para o final das temporadas, começa a se rechear a trama com ação e suspense, o que eleva a narrativa a um bom entretenimento para quem gosta do gênero. Claro, fica difícil ver isso, quando se compara outras narrativas desse tipo. Poderia ser feito algo mais filosófico, estilo Black Mirror, por exemplo, mas, perderia, talvez, essa carga simplória e melodramática.

Quanto aos termos mais técnicos, para uma produção com pouco dinheiro, consegue-se criar uma atmosfera de ficção científica, principalmente com a montagem e fotografia. O figurino e o cenário do Continente (lado pobre), muitas vezes é forçado para apresentar essa desordem e caos, mas por outro lado, vê-se que há um cuidado com os detalhes. Já no Maralto, acontece o contrário, poucos detalhes e uma representação muito lugar-comum desse “paraíso”. Porém, este poderá ser mais desenvolvido na terceira temporada.

 

Complexidade e Profundidade: Conceitos menosprezados

A principal crítica é sem dúvida ao roteiro. É muito comum ver séries, novelas e minisséries brasileiras muito interessantes de conteúdo, produção e elenco, porém, sempre parece que se dá pouca atenção ao roteiro, principalmente na profundidade dos personagens e diálogos. Problemas no roteiro também geram a sensação de excesso, com muita coisa desnecessária e inútil, que acaba por cansar o público. Da mesma forma parece que tentam preencher “buracos” ou criar situações para agradar o público, típico de muitas produções mais comerciais. Por exemplo, colocando um casal que não faz sentido, simples e puramente porque o público gosta (ou porque acha que o público gosta). É comum esse tipo de estratégia em produções do melodrama, pois o objetivo é emocionar, com um sentimentalismo exagerado, mas aqui se torna trivial, até para o provável público alvo, os adolescentes.

 

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Os erros de roteiro criam personagens artificiais e estereotipados, sem qualquer indício de sutilezas emocionais ou ambiguidades psicológicas. A dramaturgia é frouxa e há pouca ligação entre fatos, atitudes dos personagens e diálogos. Não se espera um grande enigma ou tese, mas espera-se que as coisas façam sentido. Tudo isso deixa grande parte dos personagens chatos e pouco interessantes, como o caso do personagem Fernando (Michel Gomes) que tem um enredo inicial interessante, mas acaba se tornando o mero par romântico, o herói apaixonado.

Não se trata de atuação como muitos tentaram justificar, temos atores célebres desde o elenco principal, como o baiano João Miguel e a própria Bianca Comparato. O problema não são os atores e atrizes, são os personagens e os diálogos. O roteiro tem furos, e os personagens também parece que querem “preencher buraco”, deixando as ações rasas e muitas vezes previsíveis. Em outros momentos, os personagens agem de forma aleatória, como por exemplo, o “vai e volta” da personagem Michele (Bianca). Os diálogos são supérfluos, curtos e sem carga. A melhor personagem com pouco tempo de aparição é Zezé Mota (inclusive um personagem que precisa ser mais explorado). Os antagonistas são sempre muito maniqueístas, quando tentam dar um lado humano a eles, construir um arco a partir de suas relações e histórias de vida (como com Ezequiel e sua mulher Julia), se perdem, e na segunda temporada isso volta se repetir com a personagem Marcela (Laila Garin).

O problema com atuação pode ser atribuído mesmo, a figuração e aos atores secundários (problema de muitas produções brasileiras), que parecem ser pouco preparados e, por isso, agem de forma caricata e exagerada. Não se trata de dar explicações para tudo, você até aceita o mundo que eles criam (mesmo sem necessidade de falar como aconteceu para virar esse cenário distópico), mas por conta do roteiro fraco, não cria laços afetivos com os personagens.

 

Amadurecimento e alegorias

 

 

Em compensação, a partir do meio da temporada, a série ganha maior ritmo de suspense e ação, com micro-tramas interessantes, como a relação com os infiltrados. Aliás, toda a trama da Causa, movimento que propõe a derrubada do modo tradicional, que ganha força na temporada, é bem desenvolvida, mesmo que personagens como Michele e Fernando ainda estejam perdidos.

A crítica metafórica ao Brasil também se fortalece. Com o foco no Continente, vemos surgir pautas como a violência e sujeição  policial, e a atuação de milícias (sim, com esse mesmo nome), debates sobre corrupção e desigualdade se aprofundam, e debate as formas de resistência e revolução com um viés mais filosófico. Tratam também de religiosidade, ainda que superficial para falar de alienação, e do carnaval (com uma cena com música e performance da cantora Liniker), com intuito de tratar da ideia de pão e circo. Apesar disso, ainda se percebe que muita coisa do roteiro é pensado para conectar o público a realidade brasileira, mas, por exemplo, na cena do que se configura como um carnaval, apesar de belíssima, não faz diferença nenhuma para a trama como um todo, se configurando quase como um videoclipe.

Dentro da Causa, os personagens vão ganhando mais contorno, aliados a pensamentos de ideologia que questionam a lógica revolucionária, como por exemplo como ministrar a sociedade após a quebra do sistema, e o debate sobre individualismo e egocentrismo, representado por alguns integrantes que são impulsionados muito mais por motivos particulares que por uma teoria revolucionária.

A terceira temporada estreia ainda esse ano. Segundo informações da produção, esta irá focar no Concha, um terceiro lugar, representando a esperança.  A questão que fica é, se tivéssemos o poder para recomeçar, fazer algo novo, conseguiríamos fazer diferente? É esperar para ver! Abaixo o link da primeira e da terceira temporada.

 

 

**Vilma Martins é jornalista, cineasta, produtora, pesquisadora e mestranda em Comunicação, pela Universidade Federal da Bahia.

Maratone como uma Garota: É tempo de sermos heroínas!

Que o universo da cultura nerd sempre foi bastante machista, muita gente já está ciente. Dá pra notar, porém, que isso vem sendo questionado e exposto com certa frequência. Na esteira de um fortalecimento dos ativismos feministas, especialmente nas redes sociais, e com um esforço coletivo de espectadoras em revelar as facetas da dominação patriarcal nas narrativas ficcionais, temos visto cada vez mais personagens femininas que parecem responder a antigos anseios por representações justas e diversas (e menos sexualizadas!). No mundo dos heróis, cujo apelo à identificação é bem forte, a gente sentia falta de modelos empoderadores de heroínas para ver na tela. A Maratone como uma Garota! de hoje é dedicada a toda garota que um dia desejou lutar contra o mal, conquistar as galáxias, salvar o mundo e voar pelos céus. Esse momento é nosso!

Em menos de um mês desde sua estreia, o primeiro longa da Capitã Marvel (21º filme do UCM*) chegou à lista dos filmes de heróis mais lucrativos, dando um tapa na cara da indústria que se negou por anos a investir em projetos com mulheres protagonistas (ou com mulheres na direção!). Ainda que correspondendo ao padrão hegemônico heterossexual branco colonial, quando Mulher Maravilha (da DC Comics) estreou, em 2017, um marco havia sido instaurado: o protagonismo feminino além de lucrativo, é empoderador e tem um alcance potente. A direção de Patty Jenkins entregou uma obra com um primor técnico incrível.

 

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Mulher Maravilha, dir.: Patty Jenkins, 2017

Carol Denvers (Capitã Marvel) e Diana Prince (Mulher Maravilha) não são as únicas heroínas do cinema ou da TV, isso é claro, e tão pouco representam um ganho no que tange à diversidade, porém, são personagens expoentes nesse universo não apenas por ocuparem um lugar quase sempre masculino, o de protagonismo, mas também pela construção de suas histórias, com personalidades complexas, anseios próprios e por seus papéis no roteiro não estarem em função de um homem, como acessório na trama ou ainda como deleite sexual para os espectadores. Natasha Romanov (Viúva Negra), Tempestade, entre outras, já tinham destaque em filmes anteriores e foram por muito tempo as principais referências de heroínas para muitas espectadoras. Natasha, por exemplo, é central para os Vingadores. A Vespa assumiu o protagonismo com o Homem-Formiga em seu último longa.

Jessica Jones é outro exemplo forte, já que seu jeito rebelde, seus traumas do passado, fogem do ideal de docilidade e simpatia esperados em uma mulher e preenchem camadas de uma pessoa com um existência “real”. Kara Zor-El, a Supergirl, é muito mais do que um rostinho angelical, é uma líder justa e valente. Misty Knight, da série Luke Cage, tem sido uma das heroínas mais marcantes dos últimos anos. Sem superpoderes, a policial do Harlem é uma mulher negra que conquistou um lugar super importante no seu universo, bem com Colleen Wing, da série Punho de Ferro. Nas séries animadas, Carmen Sandiego é uma ladra internacional que recupera objetos roubados por vilões. Personagem icônica e nostálgica, ela foi readaptada pela Netflix recentemente, talvez justamente em diálogo com o momento de tentar dar voz ao girl power.  

 

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Misty Knight, na série Luke Cage (2016-2018), da Netflix.

Quando destacamos a importância da presença e da representação de mulheres nestes universos é justamente por entender que, enquanto produtos que circulam mundo afora, ocupam um lugar estratégico na construção dos imaginários sociais e culturais e nas imagens que construímos sobre os outros. Somos marcados pelo que vemos e, quase sempre, os personagens que acompanhamos acabam ocupando um papel central em nossos comportamentos e expectativas. Para além das protagonistas, certas personagens secundárias também são inspiração e modelo, com uma visibilidade e um potencial de desenvolvimento de questões mais amplas para demandas de um público tão diverso. Foi um grande avanço quando, em Deadpool, tivemos um casal de heroínas lésbicas (Míssil e Yukio), assim como em Supergirl, com Alex Danvers (irmã da Kara) e Meggie Sayer. Mais do que realizar um inventário das principais heroínas de todos os tempos, espero motivar a reflexão sobre nosso tempo e nosso lugar de mulheres, espectadoras críticas e/ou fãs.

Nos quadrinhos, no cinema ou na TV, é inegável o poder de atração das histórias de heróis. Elas nos atingem, nos motivam, nos levam a lugares onde tudo é possível, onde somos fortes e destemidas. Todo esse clichê é coisa séria! A entrega emocional que muitas e muitos dedicam a estes produtos faz com estes sejam parte importante de sua existência no mundo. Note-se que os exemplos trazidos são produtos estadunidenses, destacando o peso que sua influência (ainda por cima) tem nesse campo mainstream*. A questão é: não queremos ser salvas, queremos salvar o mundo e queremos fazer isso sendo donas da nossa história.

 

*UCM – Universo Cinematográfico da Marvel →  

*Mainstream → Termo em inglês que geralmente se refere à cultura de massas, produtos comercialmente hegemônicos.

 

**Letícia Moreira é produtora cultural, pesquisadora e mestranda em Comunicação, pela Unicamp. Além disso, é crítica de cinema, pelo site Mais que Sétima Arte (https://maisquesetimarte.wordpress.com/)

Especial Ships Femslash nas Séries

Por Enoe Lopes Pontes

Você sabe o que é ship femslash? Sim, isso mesmo! São os casais LGBTQ+ que envolvem mulheres!!! Em algumas histórias, eles aparecem em maior ou menor grau, de forma satisfatória ou não. A conversa é complexa, mas existem formas de começar a descobrir o melhor caminho para representar estes pares na ficção. No caso deste site, na séries. E para você que vê as tramas quase prendendo a respiração, esperando a representatividade aparecer e berra quando isso acontece, este é um post especial sobre o tema e acabou de chegar! Então, pegue a sua pipoca, se ajeite na cadeira e foca no texto do Série a Sério! Hoje, vamos elencar os melhores casais lésbicos da TV!!!

Os critérios de análise passaram por plot da dupla, desenvolvimento da história, se é fanon ou canon – ninguém quer ser enganado aqui, né, queridxs? -, como os autores tratam o casal e o seu fandom e, claro, os shippers!!!! Tudo isso para trazer uma seleção equilibrada, tendo coração e razão envolvidos. Afinal, a importância destes ships está também ligada ao que eles representam! E para a experiência ser completa, no final você confere um pequeno glossário com essas palavrinhas da internet, maravilhosas, que são usadas para descrever este e outros universos!

Mas, nem tudo são flores! Infelizmente, quem acompanha narrativas ficcionais, seja série, filme, livro etc, sabe que a existem algumas probabilidades negativas quando o assunto é a representação de ships LGBTQ+. Opções preocupantes: ser Queerbaiting e ficar no fanon para sempre ou alguém do casal morrer. Por esta razão, a forma como o romance femlash aconteceu e se desenvolveu no seriado foi o foco do texto. Ah, obviamente, a fofura também foi contabilizada!

 

Confira!

 

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5 – Doccubus – Formado por Bo (Anna Silk) e a Dra. Lauren (Zoie Palmer), o ship fazia parte da série Lost Girl. Com a protagonista fazendo parte deste casal, o seriado conseguia trazer plots e tensões interessantes para a dupla, tratando-as como um par romântico efetivo, sem tornar o fato de elas serem duas mulheres uma preocupação para a estabilidade entre elas.

 

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4 – Cophine – vivido pelas personagens Cosima Niehaus (Tatiana Maslany) e Delphine Cormier (Évelyne Brochu), o par femslash vivia numa montanha russa de emoções. Mas, isso não estava relacionado à sexualidade das duas – o que já são 100 pontos para a Grifinória!!! O importante na tela, quando o assunto era o romance do casal, eram as dificuldades e felicidades que elas poderiam ter dentro da narrativa. Os conflitos e cliffhangers eram justificados pela história, fomentavam a complexidade do envolvimento delas e ninguém precisou morrer no final.

 

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3 – Brittana – A série Glee (2009-2015) ficou conhecida como uma produção que valorizava múltiplas etnias, sexualidades e identidades de gênero. Neste universo, existia um casal de meninas que foi ganhando espaço dentro do enredo, ao longo das temporadas do seriado. Brittany Pierce e Santana Lopez eram duas líderes de torcida que possuíam uma relação escondida. Contudo, a escola inteira acaba descobrindo o caso das duas e, processualmente, elas vão se assumindo. O desenvolvimento de como Brittana vira um ship canon, os problemas enfrentados no colégio, a passagem pra faculdade, até a chegada na vida adulta e o casamento delas completam uma espécie de ciclo. A sensação que o espectador pode ter é de completude e realidade. O maior ganho aqui é ver o cotidiano de Santana e Britany. Coisas simples e bobas de casal mesmo!

 

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2 – Calzona – Abaixa que é tiro! Quem assiste Grey’s Anatomy (2004-) já está acostumado com os intensos e contínuos plots twists, as tragédias, perdas e ganhos dentro da trama. Ainda com todo esse misto de emoções e tensões, o casal Callie (Sara Ramirez) e Arizona (Jessica Capshaw) é um dos maiores ships que a televisão já viu. Por quê? As duas são médicas no mesmo hospital,isso faz com que dividam interesses semelhantes, rotinas intensas e se entendem dentro dessa dinâmica. Além disso, o par é mostrado de forma séria. Elas casam, formam uma família e mostram para o público os desejos e realizações quando duas mulheres se apaixonam e se unem.

 

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1 – Stef e Lena – Em 2013, a emissora Freeform lançou uma série como nunca antes vista! Com sensibilidade, a produção mostrava a rotina de duas esposas que possuíam uma família enorme, cheia de filhos. Como a maioria deles era adotivo, existiam muitas tensões com os tramites e pais biológicos. Contudo, o foco maior eram o estresses do cotidiano mesmo. Stef (Teri Polo) é uma policial e Lena (Sherri Saum) professora e coordenadora de colégio. As duas, juntas, fazem toda uma dinâmica “good cop/bad cop”, que acaba sendo muito fofo! Exatamente como toda família, sempre existe umx mãe/pai mais tranquilo e outrx mais rígido. E são justamente estes detalhes da rotina familiar que encantam no seriado. A forma como elas criam as crianças, se relacionam entre si e têm o olhar apurado para os entes queridos e para o mundo toca o coração e fazem deste ship o femlash mais OTP de todos os tempos!

 

BONUS: Dicas de ships femlash INDISPENSÁVEIS para conhecer – Willow e Tara (Buffy – A caça vampiros); Carol e Susan (Friends); Alex e Piper (Orange is the New Black); Morello e Nicky (Orange is the New Black); Thereza e Helô (Coisa mais Linda); Alex e Maggie (Supergirl); Lexa e Clarke (The 100); Karma e Amy (Faking it); Clara e Marina (Em família); Bette e Tina (The L Word); Dana e Alice (The L Word); Alison e Emily (Pretty Little Liars); Emily e Paige (Pretty Little Liars); Carlota e Sara (As Telefonistas); Waverly e Nicole (Wynonna Earp); Nomi e Amanita (Sense 8).

 

GLOSSÁRIO

Canon – acontece dentro da narrativa original

Fandom – grupo de fãs

Fanon – acontece apenas dentro de material, fóruns e debates de fãs.

Femslash – casais LGBTQ+ entre mulheres

OTP – One true pairing – um par único

Ship – Casal

Shipper – quem torce para casais

Queerbaiting – Isca para LGBTQ+, a representatividade parece que vai acontecer, mas nunca ocorre.

 

Crítica Van Helsing: 3ª temporada peca por falta de fôlego e criatividade

 

Por Enoe Lopes Pontes

Produzida pelo canal SyFy, Van Helsing chega em seu terceiro ano! Passando a sensação de que poderia ter sido mais pontual e enxugado as barrigas, cortando micro conflitos e indo direto para as questões referentes ao plot original, ela chegou naquele momento em que todas as situações pré-conflito grande anunciado já aconteceram. Sabe questões como o mistério da ilha, em Lost; a batalha final de Once Upon a Time ou o end game de Ross e Rachel, de Friends? Então, os problemas menores vividos pela protagonista, Vanessa Helsing (Kelly Overton) chegaram ao seu limite, porque não interferem no resultado final do seriado como todo e adia o desenvolvimento principal da season, deixando as resoluções e ganchos um tanto corridos. Principalmente no que se refere ao dilema moral de Helsing.

O público já viu que os limites entre o bem e o mal que vivem nela estão numa linha tênue, dando uma visão não maniqueísta das suas vivências e esta estratégia era mais eficaz para que o objetivo central dos criadores não ficasse perdido. É um mundo distópico, pós-apocalíptico e uma mãe – que também tem poderes – acorda sem sua filha! Já está dada a situação e quem é esta mulher. A ressignificação deste quadro vem somente para postergar o gancho da finale.

 

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Ao lado desta questão está o fato de que as tramas dos coadjuvantes passam a parecer mais interessantes. Contudo, como a história original se perdeu e agora o espectador tem contato com múltiplas peripécias, nenhum encaminhamento é mostrado em sua totalidade. Assim, pode ficar uma sensação de incerteza sobre o que os roteiristas queriam com o terceiro ano da produção. Se a premissa era a jornada de Vanessa para reencontrar sua filha, depois (SPOILER ALERT!!!) que a garota morreu em seus braços, os rumos do enredo foram ficando nesta neblina, com uma indecisão da importância da personagem principal.

O que acaba acontecendo é que a figura da irmã de Vanessa, Scarlett Harker (Missy Peregrym), se sobressai e consegue captar mais a atenção com a sua história. Tanto no quesito narrativo, quanto de atuação, é ela que parece o elemento mais seguro aqui. Peregrym imprime um tanto de complexidade em Scarlett, sabendo dosar a carga entre as cenas pesadas e os alívios cômicos apenas com olhares e velocidade de texto.  O que é um contraponto com Overton que é menos expressiva facialmente. Apesar desta característica ajudar em alguns momentos a manter o tom de mistério de Van Helsing, no geral, a falta de força da atriz joga o brilho para sua colega de cena.

 

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Por fim, um ponto que talvez seja o mais preocupante seja o fato de um produto de terror ter uma ausência de construção de tensão bem realizada. Além da obviedade dos acontecimentos, o número de tipos de criatura cresce, mas não foram pensadas características para torna-las assustadoras. Uma repetição de caretas para câmera, em uma quantidade de tempo constrangedora, não convence. Primeiramente, a atuação não soa orgânica. A tendência é acreditar que eles possuem uma ideia do que é um “Monstro” e passaram a rosnar e arregalar os olhos. A essência e motivações vistas em momentos anteriores da série desapareceram. Até mesmo Sam (Christopher Heyerdahl), o vampiro mais assustador deste universo, fica entediante, porque suas ações acontecem de forma dilatada de uma forma que o ritmo se perde.

Renovada para uma quarta temporada, fica a esperança que ela volte para a sua forma anterior, cheia de ritmo, relações que criam empatia e medo!!

 

Maratone como uma Garota!: 5 séries para derrubar a rivalidade feminina

Desde muito cedo, independente da sua identidade de gênero, mas especialmente se você se identifica (ou tenha sido identificado em algum momento) como mulher, muito provavelmente você foi socializada/o em um contexto cultural em que a rivalidade feminina é considerada quase uma condição intrínseca a nós mulheres. Essa noção às vezes está tão enraizada que chega a ser difícil reconhecê-la em nossos padrões de comportamento e expectativas. Espera-se e incentiva-se que as mulheres estejam em constante competição: por homens, por um look melhor, para chamar mais atenção.

O fato é que isso nada mais é do que uma lenda que o patriarcado inventou para enfraquecer a união e os laços que a gente pode (e deve!) cultivar sempre umas com as outras. De todo modo, desde que as mídias e produtos culturais, como filmes e séries, se tornaram parte de nossas rotinas, nossos imaginários são também formados a partir da relação que estabelecemos com eles. É por isso que quase sempre levamos muito mais do que apenas entretenimento com nossos personagens, autores e histórias favoritas. Levamos modos de pensar, de agir, de se vestir, mas também nos inspiramos com suas batalhas, seus sonhos, seus amores, em como perseguem objetivos e cultivam amizades. Pensa comigo: quantas vezes você se sentiu motivada/o ou impulsionada/o por alguma história? Aposto que algo veio a sua cabeça agora!

 

Graças ao fortalecimento que pautas feministas vêm tomando nos últimos anos, muitos padrões de opressão têm sido questionados. Algumas séries recentes de muito sucesso, como Sex Education e Good Girl, se encarregaram de desmistificar essa ideia de rivalidade feminina, especialmente entre personagens de diferentes estilos ou universos. Se você foi criança ou adolescente nos anos 2000, você teve o privilégio de poder acompanhar algumas boas histórias que provaram que o patriarcado não bate uma boa amizade. É por isso que na Maratone como uma Garota! de hoje vamos relembrar algumas séries que marcaram nossos corações e nos provaram que rivalidade com a gente não tem vez!

 

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1º Friends

Vamos começar com a mais clássica! Friends foi ao ar entre 1994 – 2004, mas continua sendo uma dos sitcoms mais assistidas até os dias atuais. Como o próprio nome sugere (friends é “amigos”, em português), a amizade é tema central e é impossível não amar o trio de amigas Rachel, Monica e Phoebe. Três mulheres bem diferentes, mas que estão sempre incentivando e torcendo umas para as outras. Monica e Rachel são um exemplo de amizade que se fortaleceu e amadureceu com o tempo. Phoebe tem um espírito amável e sempre presente.

 

 

2º The L Word

Parada quase obrigatória para as lésbicas e bis, essa é uma das séries mais interessantes para o público feminino, especialmente as LGBTQ+, não apenas por trazer no centro as relações entre casais femininos, mas também por discutir com lucidez questões relacionadas a padrões de gênero e sexualidade (ainda que tenha escorregado em retratar a bissexualidade como algo transitório ou incerto). Além de um roteiro fortemente feminista e de ter sido criada e produzida por uma mulher (Ilene Chaiken), The L Word se esforçou em demonstrar como as mulheres podem ser parceiras e confidentes. Existe um laço de apoio e compreensão entre muitas personagens, especialmente no núcleo central, como Tina, Alice, Dana, Kit, Bette e Shane. Uma nova temporada foi confirmada!

 

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3º Sob Nova Direção

Sitcom nacional de grande popularidade entre 2004 – 2007, a história trazia duas amigas sócias que tentavam recuperar um bar falido. Protagonizado por Heloísa Périssé e Ingrid Guimarães, a série mostrava não só a amizade, mas o empreendedorismo de duas mulheres independentes, ainda que em tom de (muita) comédia.

 

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4º Xena – A Princesa Guerreira

Não seria uma coluna minha se não tivesse essa série de marcou o coração de muita gente! Foi ao ar entre 1995-2001, mas continua reprisando no Brasil e em muitos países. Na Grécia antiga, Xena, uma guerreira em busca de redenção por seu passado violento, encontra em sua jornada a jovem Gabriele, que se torna sua melhor amiga e companheira de viagem. As cenas de luta e a coragem delas empoderou muitas garotas. A popularidade da série ao redor do mundo conseguiu reunir um Fandom* fiel e ativo. As protagonistas tinham um laço afetivo muito forte. Uma nova versão estava confirmada para os próximos anos e, conforme os produtores, as duas protagonistas seriam assumidamente homossexual. Mas para a tristeza geral na nação, o projeto foi cancelado!

 

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5º Três Espiãs Demais

Que atire a primeira pedra quem nunca brigou para ser Sam, Alex ou Clover (eu era a Sam!). Um dos desenhos animados mais populares da TV, era protagonizado por três adolescentes distintas que além de super amigas, eram super espiãs e estavam sempre vencendo vilões e ganhando batalhas. Além de provar que meninas podem fazer tudo – e de salto! (desculpa, não pude evitar), mostrou como as mulheres são versáteis, inteligentes, independentes e autossuficientes. Dá pra levar boas lições com o trio e até mesmo com a Mandy, sua principal rival, que possui camadas de sensibilidade.

 

Nunca é tarde para rever certos conceitos e questionar alguns padrões que nos foram impostos. Se mesmo depois dessa lista você ainda acredita de as mulheres nunca podem ser verdadeiramente amigas, tá aí a oportunidade de maratonar alguns episódios! E para quem já viu alguma(s), aproveita para matar a saudade e analisar com novos olhos.

*Fandom -> União dos termos em inglês Fan (fã) e Kingdom (Reino), resultando em “reino de fãs”. É uma expressão utilizada para designar um grupo de pessoas que são fãs de algum produto ou artista.

 

**Letícia Moreira é produtora cultural, pesquisadora e mestranda em Comunicação, pela Unicamp. Além disso, é crítica de cinema, pelo site Mais que Sétima Arte (https://maisquesetimarte.wordpress.com/)

Terror em Série – American Horror Story: Roanoke e suas múltiplas reviravoltas

A sexta temporada de American Horror Story (AHS) foi exibida em 2016 e trouxe uma tentativa de dar uma complexidade maior para suas tramas, focando em três camadas narrativas diferentes que vão se desenrolando durante os episódios. Além disso, paralelamente, ela mostra o passado da casa na qual a história está centrada.

A narrativa começa bem, mas deixa suspeitas de que talvez se encaminhe por um rumo um pouco repetitivo, trazendo ares muito semelhantes aos de Murder House. Na trama, o casal Matt e Shelby se mudam para uma misteriosa residência, que possui um secreto e sombrio passado. E a história daquele lugar remete bastante à atmosfera da terceira temporada (Coven), onde Kathy Bathes interpreta mais uma vez uma mulher sanguinária, a personagem Thomasin, a açougueira.

 

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Mesmo com as semelhanças, os episódios são consistentes e apresentam um elemento novo: no enredo, uma produção está realizando um documentário sobre os acontecimentos da casa. O tom quase metalinguístico, com pitadas de mocumentário, traz um tom de suspense e uma impressão de que tudo pode acontecer. O risco, algo visto nas obras de terror, se mostra maior, alimentando bem a curiosidade do espectador, dando poucas chaves e abrindo muitas possibilidades.

E aí que mora o maior problema de Roanoke. Muitas portas são abertas e é difícil se conectar com qualquer possibilidade. Após o sucesso da primeira temporada da série ficcional que o público vê na história do seriado, partimos para o segundo ano, agora, com atores interpretando todos os envolvidos na trama. A equipe realiza tudo na mesma casa onde todas as mortes aconteceram. A partir disto, a narrativa se modifica por completo e a metalinguagem e crítica aos realites shows, são substituídos por jump scares baratos e uma grande falta de coesão narrativa.

 

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A relação entre as personagens novas é mal construída e o valor das mesmas parece inexistente. Como elas não possuem um elo forte de ligação com o público, vão se amontoando em mortes diferentes a cada episódio, substituindo aquele suspense característico da série, pela constante procura em provocar medo com fantasmas e assombrações cada vez mais assustadores.

É essa tentativa constante de superar tudo antes já visto no seriado que destrói qualquer forma de conexão que poderia surgir, é extremamente forçada a busca de surpreender. Talvez o maior louro de Roanoke seja a crítica, até um pouco simplista, da sede de sangue que o público estadunidense possui de ver a desgraça alheia. Porém, nada que Black Mirror já não tenha feito em seus primórdios. O sexto ano de AHS fica um pouco no meio do caminho de tudo.

Sobre as intercessões com as temporadas anteriores, os principais destaques são: a primeira bruxa suprema – numa referência à Coven – e a presença de Lana Winters – de Asylum – uma escolha sempre acertada de Murphy. Para os fãs da série, só restou conferir os episódios e esperar pela temporada seguinte, muito superior e que traz de volta o suspense e os dramas que unem psicológico e sobrenatural, explorando o que American Horror Story faz de melhor: encontrar o terror dentro das pessoas mais inesperadas, desvendar almas sombrias de lugares menos prováveis. A quinta  e a sexta temporadas do seriado quase provocaram seu downfall, mas, a mesma se recupera com louvor. Mas, vamos deixar para o próximo mês!

 

 

**Hilda Lopes Pontes é cineasta e crítica cinematográfica. Formada em Direção Teatral e Mestre em Artes Cênicas, pela Universidade Federal da Bahia, hoje, ela é sócia-fundadora da Olho de Vidro Produções, empresa baiana de audiovisual.

Especial Maratona de séries curtas para o Carnaval

por Enoe Lopes Pontes

O Carnaval é uma comemoração que possui vários tipos de diversão para cada estilo de pessoa. Pode ser uma época para dançar, cantar, pular, viajar, relaxar, maratonar filmes e seriados ou tudo isto junto. Mas, como o site tem um foco específico, claro, o Série a Sério pensou nos seriadores de plantão e elaborou uma lista com dicas de produções para assistir durante o feriado. Contudo, há um detalhe especial aqui! Todas são narrativas curtas, já que só faltam poucos dias para o encerramento dos festejos! Assim, no top 5 se encontram tramas com poucos episódios, dando a capacidade ao espectador mais apaixonado de ver todos os títulos sugeridos até a quarta-feira de cinzas!

 

LISTA

 

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5 – Good Girls (2018) – Três mães do subúrbio dos Estados Unidos viram criminosas da noite para o dia. Somente a ideia da série já pode despertar certa curiosidade no espectador, certo? Mas, é o desenvolvimento deste plot que mais diverte e surpreende. As reviravoltas dentro da trama é um dos destaques da produção, pois as situações postas vividas pelas personagens principais são quase surreais, dentro do que é apresentando para o público sobre quem são estas personas.  A partir da premissa, existem duas coisas mais relevantes para o prazer em assistir ao seriado: as tiradas sarcásticas (para quem gosta de humor sombrio, melhor ainda) e a forma como as mulheres se unem e lutam por sua sobrevivência, demonstrando toda a sua capacidade de defesa, inteligência e destreza para se safar de situações aparentemente impossíveis de serem solucionadas.

 

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4 – Sex Education (2019-) – Com um total de oito episódios, a primeira temporada do seriado foi tão bem sucedida que a Netflix já confirmou o seu segundo ano no ar. Mostrando o dia a dia de um jovem que tem uma mãe terapeuta sexual, a produção consegue discutir temas importantes e profundos para adolescentes, conseguindo manter um tom leve. Mesclando as tensões e embaraços da puberdade com os maiores prazeres deste período, a graça de Sex Education são as relações de Otis (Asa Butterfiled) com as pessoas que o cercam, sejam as mais antigas em sua vida ou as mais novas. Neste sentido, a dinâmica do protagonista cresce quando está ao lado das personagens Maeve (Emma Mackay), Eric (Ncuti Gatwa) e Jean (Gillian Anderson). Ocupando o espaço de crush, melhor amigo e mãe, respectivamente, é possível conhecer os detalhes sobre Otis nos diversos âmbitos de sua vida, principalmente no que tangem seus conflitos sexuais. Paralelo ao que acontece com o garoto, também existem os casos que Otis analisa quando decide ser um conselheiro sexual dentro de sua escola, inspirado nas coisas que aprendeu dentro de casa.

 

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3 – The Fall (2013-2016) – Criada por Alan Cubbit (Prime Suspect), a série possui três temporadas de seis episódios e conta como Stella Gibson (Gillian Anderson) investiga diversos assassinatos que estão acontecendo no Norte da Irlanda. A trama mostra para o público o ponto de vista da policial e do psicopata, como os crimes são cometidos e quais os caminhos a detetive segue para solucionar o caso. No entanto, é preciso ter estômago para encarar a frieza do assassino Paul Spector (Jamie Dornan) e como o mesmo age com suas vítimas. O ponto alto da produção é a forma como são demonstradas as personalidades das personagens. Todas possuem suas complexidades, por mais que aparecem por pouco tempo na tela. Elas são humanizadas, mas seus atos não são relativizados. A crueldade de Paul é apontada o tempo inteiro, mas é nítida a preocupação do roteiro em mostrar a sua certeza de lógica para suas ações. Ao mesmo tempo, ele é um vilão inquestionável. Da mesma maneira, Stella é a heroína da história, sem dúvidas, porém ela possui segredos e más condutas em alguns momentos. Um segundo elemento destacável é a tensão da proximidade e distanciamento entre Spector e Gibson. Eles dividem o mesmo espaço ou ficam em direções opostas, as cenas de maior intensidade são as que os dois conversam ou ficam no mesmo ambiente de qualquer forma.

 

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2 – Collateral (2018) – Em quatro episódios, a minissérie britânica consegue discutir temas como xenofobia, privilégios sociais e misoginia. Com ação e construção de tensão, o espectador pode ser pego pela produção por gostar de histórias de crime e mistério. Mas, outro viés intenso é o olhar sob as personagens femininas da trama. A câmera revela a empatia entre as mulheres e o olhar sujo e/ou equivocado que os homens possuem sobre elas. Contudo, esta camada é sutil sem, no entanto, deixar de ser perceptiva.  Um bônus é a interpretação da atriz Carrey Mulligan (Educação). Com gestos precisos, ela demonstra o presente e o passado impressos em sua construção para o papel. Vê-se em Kip a ex-esportista, a policial, a mãe, a mulher etc.

 

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1 – The Good Place (2016-) – Criada por Michael Schur (Parks and Recreations), a série conta a história de Eleanor Shellstrop (Kristen Bell). A jovem acabou de morrer e foi parar em uma espécie de paraíso. O lugar calcula a entrada de seus moradores através de um sistema de pontuação de atos bons e ruins. Esta é apenas a premissa da produção que possui muitos plot twists e novas descobertas a cada episódio. Este fator poderia fazer com que a trama se desgastasse ou parecesse apelativa. Contudo, a estratégia de reviravoltas enormes acabam dando fôlego para a história. O ritmo não fica comprometido, pois as relações interpessoais acontecem em uma velocidade oposta aos acontecimentos gerais, nos quais estão envolvidos todos que cercam Eleanor. A utilização de temores cotidianos humanos, junto com o estudo da Ética e da Moral, mais o humor típico de Schur dão o tom e a graça de The Good Place, que merece ser vista.

BR em Série: Webséries brasileiras oferecem narrativas diversificadas e ganham espaço em premiações

Há algumas décadas, seriados audiovisuais eram apenas televisivos. Hoje, não os associamos mais somente à canais de TV (apesar de no Brasil a TV aberta ainda ser dominante) senão também à internet, principalmente com o crescimento dos serviços de streaming*, como a Netflix. Com o desenvolvimento tecnológico, essas mudanças revolucionaram não só as formas de assistir a séries, como também formatos e tipos de produções. Além deste serviço, existem outros estilos de produções audiovisuais surgindo e crescendo no mundo, como aquelas feitas para redes sociais e sites de vídeos. O Vimeo e o Youtube são exemplos disso. Estes materiais são popularmente conhecidos como webséries, que tem não só possibilitado produções mais acessíveis, como também uma maior pluralidade de temas.

Webséries ou seriados digitais são produtos serializados distribuídos online e com episódios mais curtos que os das séries televisivas comuns. Surgem no final da década de 1990, nos EUA, a partir do processo de convergência da web com a televisão, que depois consagrou-se enquanto formato com narrativa e especificidades próprias. Elas surgem pela necessidade do espectador consumir um conteúdo que poderia ser assistido casualmente. Por isso, variam entre 3 e 20 minutos de duração, mantendo uma narrativa mais simples, com histórias não muito complexas, que não exijam atenção total do espectador. A distribuição pela internet também possibilita uma maior liberdade criativa, pois não enfrentam as mesmas limitações de um conteúdo televisionado, o que incentiva a geração de conteúdos mais livres, a transformando em um formato midiático com oportunidades nos mais diversos nichos.

 

 

Em contrapartida, não há modelos de negócios e divulgação que tornem as webséries rentáveis, o que desincentiva muitos produtores. Por outro lado, assim como os curtas-metragens, os festivais são espaços possíveis de ganhar visibilidade e prêmios. O número de webfests têm crescido pelo mundo, e mesmo os festivais tradicionais de TV e Cinema com o Emmy e Cannes já abriram novas categorias visando essas produções. No Brasil, o maior é Rio WebFest, que teve sua edição inaugural realizada em 2015. Sediado desde 2016 na Cidade das Artes, se consolida como um dos maiores do mundo. A última edição aconteceu em novembro 2018, e premiou produções de diversas partes do Brasil.

 

Abaixo pequenas resenhas de algumas webséries com temáticas interessantes e que chamaram atenção nos festivais.

 

 

O Som do Amor: A Bahia em música e simplicidade

 

 

Não existe fórmula mais eficaz em atrair um público comercial do que histórias de romance. Um dos gêneros mais antigos, da comédia ao drama, as histórias de amor tem como forte, as relações amorosas e conflitos para viver o amor. A websérie  baiana, O Som do Amor, traz essa receita com muita simplicidade, aliado a outro forte artifício do melodrama: a música. Uma história de amor que se desenrola rápido, com um conflito usual, mas sem um drama exagerado, comum de produções assim. Tudo isso dá a produção um aspecto de ordinariedade. Porém, este logo se mostra ser o propósito da série, ou seja, retratar uma vida comum com o amor e a amizade. Marina e Dito, o casal protagonista, também conseguem trazer essa naturalidade a história. São 5 episódios de até 5 minutos que constroem relações que nós nos identificamos. O cenário, então, é bem romântico, com imagens lindas da cidade de Salvador. Talvez o que falte seja talvez circular por mais espaços, são poucos cenários por onde os personagens trafegam, como, por exemplo, a maioria das cenas acontece no mesmo bar. Isso não é de todo um problema, pois existem séries sobre grupos de amigos que fazem a mesma coisa, como os seriados Friends e How I Met Your Mother. Dado a realidade das séries digitais, com tempo curtos e baixo orçamento, é compreensível que se estruture uma narrativa mais concentrada e dê foco aos personagens principais. Falta desenvolver, talvez, os personagens secundários, que surgem quase como figurantes. O seriado ganhou Melhor Série Brasileira no Rio Web Fest e em breve terá lançamento da sua segunda temporada. Confira o trailer aqui:

 

 

Punho Negro: Uma história de super-herói contemporânea e brasileira

 

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Uma outra fórmula que também tem atraído um vasto público comercial são as narrativas de super-heróis. Apesar disso, o Brasil não tem muitas produções com essa temática. Uma justificativa usual para isso, é que essas produções normalmente são muito caras. De maneira engraçada e inteligente, a websérie baiana Punho Negro, traz uma super-heroína contemporânea, cheias de críticas a sociedade, sem deixar de rechear com cenas de ação e fantasia típicos do gênero. Os efeitos e a arte da série são uma questão a parte, com uma paleta de cores complementar ao figurino da protagonista, que também se adequam a arte dos créditos e da abertura que funcionam bem com a música. Efeitos simples, mas que não recaem sobre uma artificialidade (muito comum em produções que abusam de efeitos de computador gráfica). O projeto fica por conta do coletivo independente Êpa Filmes e traz personagens e situações, que, aliados com boas atuações, não deixam a desejar, tudo parece funcionar muito bem. Punho ganhou prêmio de melhor ideia original no Rio Web Fest, porém, ainda não há notícias sobre uma segunda temporada.

 

Link da serie no youtube:

 

Eixos: Narrativa distópica com uma produção majoritariamente de mulheres

 

 

Quem disse que Brasília não poderia viver um futuro distópico? Com uma fotografia, arte, maquiagem e figurino excelente, a websérie Eixos apresenta a capital do país em 2060, onde conflitos políticos e revoltas violentas levaram ao desmoronamento da ordem mundial, deixando a população a sua própria sorte. Imagens de ruínas, sujeira, calor e desesperado deixam a cidade irreconhecível. A narrativa que veio dos quadrinhos, com direção, roteiro e arte de mulheres, tem como protagonistas Cássia. A personagem é uma mulher forte, aventureira e dura e, junto com Inês, de personalidade mais leve, decide procurar seus amigos desaparecidos. A relação entre elas, que horas beira a uma relação amorosa, constrói uma história de luta e fé mesmo num mundo destruído. O problema que acontece em muitas narrativas desse tipo, é que muitas vezes se perdem nos detalhes. Os personagens secundários também enriquecem a narrativa, como Chico e Mãe Obá. Eixos foi indicada a melhor fotografia, melhor maquiagem e melhor série de ação no Rio Web Fest 2017. Link do trailer:

 

* Streaming Media é uma tecnologia sobre transmissão de conteúdos audiovisuais adquiridos  através de pacotes da internet, em que as informações não são armazenadas pelo usuário em seu próprio computador. odo vídeo “on demand” é transmitido via streaming. Mas nem todo conteúdo por streaming está sendo enviado sob demanda, ou seja conceitualmente é tudo o mesmo.

 

**Vilma Martins é jornalista, cineasta, produtora, pesquisadora e mestranda em Comunicação, pela Universidade Federal da Bahia.

Na Trilha da Série: The Four Brasil – primeiras impressões

Na última quarta-feira (6), estreou mais um reality show musical na televisão brasileira: o The Four Brasil, da Rede Record. O programa é apresentado por Xuxa Meneghel, e tem como equipe de jurados o cantor sertanejo Leo Chaves – previamente técnico do The Voice Kids, junto a seu irmão e dupla musical, Victor –, a cantora Aline Wirley, do grupo Rouge, e o produtor musical e empresário João Marcello Bôscoli. Com versão original israelense, o formato é estruturado na escolha prévia de quatro finalistas pela produção e jurados do programa – por isso o nome The Four, traduzido por “os quatro” –, que precisam defender suas cadeiras de desafiantes a cada semana.

A premissa de que o The Four já comece na última fase, visto que os quatro finalistas já estariam selecionados, de fato se diferencia de outros programas de reality musical, que funcionam geralmente em um ciclo que passa por audições à processual eliminação de candidatos, culminando na coroação do vencedor. Na realidade, como há desafiantes a esse top 4, a rotatividade de candidatos também será grande, só se chegará ao vencedor de uma forma diferente. O processo do desafiante conquistar uma das cadeiras dos finalistas é o seguinte: o cantor precisa inicialmente se apresentar para os jurados, que decidem de forma unânime se ele merece a chance de desafiar um dos The Four em batalha ou não; se sim, o desafiante escolhe um desafiado, e ambos se apresentam com canções diferentes, para posterior decisão do público presente no estúdio (via aparelhos de votação) sobre qual merece permanecer no programa.

 

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O formato do The Four remete imediatamente ao desafio das seis cadeiras, fase do programa X Factor onde todos os candidatos cantam, e vão sendo colocados e/ou retirados das seis cadeiras que representam as vagas finais nos times de seus técnicos. É uma das etapas com maior emoção e cortes mais marcantes desse reality. Essa escolhade um formato similar por parte dos produtores do The Four como uma garantia de emoção em cada programa, com o objetivo de prender a atenção do público. Inclusive, segundo a lógica desse produto, os quatro finalistas que iniciam um episódio podem ser totalmente substituídos por desafiantes desconhecidos ao fim do mesmo.

Os quatro finalistas que iniciaram o programa de estreia, escolhidos por produção e técnicos, foram Erik Moraes, Bruna Oliver, Fernando Manso e Stanya, que traziam o traço comum de possuírem carreiras desenvolvidas, por vezes já com CDs lançados ou composições com artistas estabelecidos no mercado. Após breve apresentação de cada um e um número musical dos quatro juntos, foram iniciados os desafios: um total de seis cantores nesse primeiro programa, que, após a votação da equipe de jurados, deram origem a três batalhas com membros do The Four. (SPOILER ALERT!) Houve prova que a rotatividade será alta: já nesse primeiro episódio, dois dos finalistas perderam suas cadeiras e foram eliminados do reality. De forma geral, vocalmente, os participantes, até então, pareceram competentes, sem grandes desafinadas ou deméritos, de forma similar ao que encontramos em outros programas de calouros como The Voice Brasil ou Ídolos. Uma apresentação que pode ser um destaque para o espectador é a do cantor Arthur Olliver, que interpretou a canção Fallin, de Alicia Keys. Acompanhe abaixo o vídeo, além do processo de análise dos jurados se o candidato poderia ou não realizar a batalha com um membro do The Four:

 

 

No The Four, chamam a atenção alguns detalhes, como a escolha do repertório dos participantes. No decorrer do programa, somente uma candidata optou por cantar uma música brasileira – inclusive com boa apresentação, porém foi eliminada pelos jurados. Uma canção de forró, “Xodó”, em um universo de doze números musicais. A escolha foi ainda questionada por um dos competidores e um dos jurados, em comentários, como possivelmente equivocada para um programa com tanta relevância de escolha de repertório. Creio que seja uma questão que merece ser destacada sendo que o programa se passa no Brasil.

Outra questão que pode surgir, assistindo ao programa, é a decisão da produção de dar a possibilidade de voto à plateia in loco, não envolvendo os telespectadores. Como gerar engajamento com o programa sendo que o público de casa não terá qualquer poder de decisão sobre a permanência de seus candidatos preferidos? No entanto, o fato da hashtag #thefourbrasil ter estado em primeiro lugar nos trending topics do Twitter no mundo (informação apresentada durante a exibição do programa) pode indicar também um cenário promissor em relação ao interesse do público. E você, se interessou pelo programa? Se sim, deixe um comentário com suas impressões!

 

*Hanna Nolasco é jornalista, mestre em Comunicação e Cultura Contemporâneas pela Universidade Federal da Bahia e desenvolve pesquisas sobre o uso da música em produtos televisivos.

 

Terror em Série: American Horror Story: Hotel

Dando continuidade ao nosso especial sobre American Horror Story, chegamos na quinta, e menos interessante, temporada. Hotel tinha tudo para ser fabulosa: a dualidade de um ambiente que envolve glamour e o grotesco, personagens potentes e paradoxais e, claro, a presença de Lady Gaga, para dar um toque a mais. O enredo começa bem, apresentando um antigo hotel que parece suntuoso, com uma atmosfera vintage, mas que guarda segredos fantasmagóricos. As primeiras hóspedes que vemos já são atacadas nos primeiros minutos de tela, usando uma técnica narrativa vista no horror de estabelecer para o espectador o que pode-se esperar pela frente. Existe um tom de promessa, de que, de certa forma, os episódios terão uma carga horrífica menos sutil.

 

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E é na falta de sutileza que Hotel se perde. O que se aparenta é uma necessidade grande de assustar o público, por isso, os jump scares* e monstros e fantasmas aparecem com muita força nessa temporada, deixando um pouco de lado o que havia de mais forte na série que era elucidar o que existe de mais estranho nas personalidades das pessoas em cena. Com exceção de James Patrick March, personagem do sempre inspirado, Evan Peters, vemos somente cenas isoladamente bem feitas, que trazem momentos de medo e curiosidade, mas que, unidas, formam uma colcha de retalhos mal desenvolvida, deixando a narrativa da série perdida.

A história se foca no John Lowe, detetive que é convidado ao hotel e começa a sonhar com seu filho desaparecido. Mas, Lowe vai perdendo seu destaque e sua força para outras personagens mais bem construídas. Sua única importância termina sendo com a Condessa, interpretada por Lady Gaga, mas, ainda assim, a trama das crianças roubadas por ela é mal resolvida e sua resolução é executada de maneira apressada.

 

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O que pode não deixar a temporada mergulhada num tédio para o espectador é seu visual sombrio, que combina uma direção de arte acertada, que sabe unir uma estética vintage com um tom de moderno do que se é considerado bizarro, destacando a intenção de mostrar um lugar atraente e assustador ao mesmo tempo. E também algumas aparições de outras temporadas, como Queenie e Billie Jean. Os ganchos terminam sendo o que mais prende o espectador de certa forma.

O episódio da noite em que os mortos podem andar entre os vivos é, sem dúvida, o mais forte da temporada. Liliy Rabe, que interpreta Aileen Wuornos, e Evan Peters trazem a complexidade na criação de personagens que despertam empatia e são, ao mesmo tempo, o resumo da maldade, trazendo o que há de mais forte em American Horror Story, o estudo da personalidade humana, a multiplicidade de olhar sobre o que se considera vil e o olhar de quem encara a crueldade e o sadismo como elemento de seus cotidianos.

Apesar de ser a mais fraca das temporadas, Hotel tem seus momentos e não perde sua qualidade estética. Infelizmente, os episódios constroem um universo frágil e personagens mal desenvolvidas, deixando somente alguns momentos de riqueza narrativa.

 

*jump scare: mudança repentina de imagem ou situação, criado para dar sustos imediatos na plateia.

 

 

**Hilda Lopes Pontes é cineasta e crítica cinematográfica. Formada em Direção Teatral e Mestre em Artes Cênicas, pela Universidade Federal da Bahia, hoje, ela é sócia-fundadora da Olho de Vidro Produções, empresa baiana de audiovisual.

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